Palazzo dei Musei

in Modena, Juni 2026

Der Palazzo dei Musei ist ein Palast aus dem 18. Jahrhundert im historischen Zentrum von Modena in der italienischen Region Emilia-Romagna. Er liegt an der Piazza Sant’Agostino und beherbergt heute die Galleria Estense, das Stadtmuseum, das Historische Stadtarchiv und die Bibliothek der Kunstgeschichte „Luigi Poletti“. Mit dem Kombiticket lassen sich Museo Lapidario Estense (Estense Lapidary Museum), Galleria Estense (Estense Gallery), Biblioteca Estense (Estense Library), Museo Civico di Modena (Civic Museum) und Avia Pervia besuchen. Die unterschiedlichen Öffnungszeiten der einzelnen Museen unter dem gemeinsamen Dach wirken dabei etwas befremdlich.

Das staatliche Lapidarium-Museum von Estense ist das bedeutendste der Region, sowohl hinsichtlich der Anzahl als auch der Qualität seiner Artefakte. Es wurde 1828 auf Anordnung von Herzog Francesco IV. d’Este, Herr von Modena und Reggio Emilia, gegründet und basierte auf einem historischen Kernbestand an Artefakten. Einige davon befanden sich im Palazzo Ducale in Modena, andere waren zuvor in der damaligen Akademie der Schönen Künste gesammelt worden. Dank großzügiger öffentlicher und privater Spenden kamen im Laufe der Zeit weitere Artefakte aus der Stadt und der Umgebung hinzu, die die Dauerausstellung bereicherten. Der Herzog selbst wählte den Säulengang des großen Innenhofs des heutigen Palazzo dei Musei als Ausstellungsort für die Sammlung.

 

POLETTI-BIBLIOTHEK UND MONUMENTALES ATRIUM
Die städtische Kunst- und Architekturbibliothek ist nach ihrem Gründer, Luigi Poletti (Modena 1792 – Mailand 1869), benannt, einem renommierten Architekten, der viele Jahre in Rom im Dienst des Kirchenstaates lebte und arbeitete. In dieser Funktion leitete er den Bau der Theater in Rimini, Fano und Terni, der Basiliken Santa Maria degli Angeli in Assisi und San Venanzio in Camerino sowie insbesondere den umfassenden Wiederaufbau der Basilika Sankt Paul vor den Mauern in Rom nach dem verheerenden Brand von 1823. Poletti vermachte sein Vermögen der Stadt Modena mit der Auflage, eine Bibliothek für Kunst und Architektur zu errichten und das Studium von drei jungen Männern aus Modena zu finanzieren. Diese wurden im Rahmen eines vierjährigen, nach ihm benannten Stipendiums ausgewählt und sollten sich drei Jahre in Rom und ein Jahr in Florenz oder Venedig auf Malerei, Bildhauerei oder Architektur spezialisieren.

Die Bibliothek wurde 1872 in einem Raum des Rathauses eröffnet und zog 1924 an ihren heutigen Standort um, nach dem Bau des monumentalen Atriums und der Poletti-Galerie, die am 4. Dezember 1904 eingeweiht wurde. Die Galerie beherbergte die Sammlung der Werke der Gewinner des Poletti-Preises: Nach dessen Auflösung in den späten 1950er Jahren wurden ihre Räumlichkeiten anschließend der Poletti-Bibliothek zugewiesen, die das wunderschöne, mit Fresken geschmückte Atrium als Eingang beibehielt.

Das äußere Atrium wurde von Umberto Ruini (Modena 1869–1955) mit Fresken ausgeschmückt. Im oberen Bereich stellte er in elegantem Jugendstil die Tugenden, die Künste und die Wissenschaften dar: allegorische Frauenfiguren, begleitet von geflügelten Jünglingen, zwischen Büsten berühmter Modeneser: Begarelli, Vecchi, Malatesta, Razzaboni, Gavioli, Riccardi, Crespolani, Torti, Guarini, Cavedoni, Selmi und Poletti selbst.

Rechts ist Poletti bei der Präsentation der Pläne für das neue Theater von Rimini vor den Konservatorien der Stadt abgebildet, links zeigt er Papst Pius IX. und Würdenträgern des päpstlichen Hofes die Restaurierung der Basilika Sankt Paul vor den Mauern anlässlich ihrer Einweihung und Weihe am 10. Dezember 1854. Im Zentrum des Atriums steht eine Statue des sitzenden Poletti in akademischer Robe, geschaffen von Carlo Baraldi (Modena, 1854–1916) nach einem Modell des berühmten römischen Bildhauers Pietro Tenerani.
Bemerkenswert ist auch die kunstvolle Eingangstür zur Bibliothek, gefertigt vom Tischler Amilcare Gollini aus drei Holzarten: Eiche, Nussbaum und Tanne.

Die beiden Marmorlöwen, die der Bildhauer Giuseppe Pisani (Carrara 1757 Modena 1839) für die Porta Sant'Agostino schuf, wurden später hinzugefügt und stammen von der Treppe, die zur Galleria del Marquis Matteo Campori führte, die sich im Familienpalast an der Via Ganaceto befand und bei den Bombenangriffen von 1944 zerstört wurde.

 

 

Francesco I. d'Este (Modena, 1610 - Santhia, 1658)
Francesco I., der Protagonist schlechthin der heutigen Galleria, verwandelte Modena in eine wahre Hauptstadt. Nach ihm gelang es keinem anderen Herzog der Este, dieses Modell der Politik und Kunstförderung zu wiederholen. Wie seine Vorfahren aus Ferrara hatte er einige der größten Talente seiner Zeit für sich gewonnen, darunter Velázquez und Guercino, Salvator Rosa und Jean Boulanger. Bernini schuf ein Marmorporträt von ihm und prägte damit das Bild des Königshauses im Zeitalter der absoluten Monarchien. Unter seiner Herrschaft gestalteten zahlreiche Architekten, Bildhauer und plastische Künstler die neuen Hofresidenzen. In einer von ihnen, dem Herzogspalast von Sassuolo, ist das Erbe der Familie besonders deutlich sichtbar: Die Musen und Geschichten des Bacchus, die das Dekorationsprogramm bevölkern, spiegeln die künstlerischen Leistungen von Leonello, Borso und Alfonso I. d'Este wider.

So ehrgeizig und skrupellos Franz I. auch war, er sah sich gezwungen, sich den damaligen Großmächten unterzuordnen und musste schwere militärische Verpflichtungen erfüllen. Als letzter Renaissancefürst in einer veränderten Welt genoss er dennoch hohes dynastisches Ansehen. Dies förderte diplomatische Beziehungen und Heiratsallianzen, die für das Überleben des Herzogtums von entscheidender Bedeutung waren.

Alfonso I. d'Este (Ferrara, 1476–1534)
Die Ära Alfons I. fällt in die Blütezeit der Ferraraer Renaissance. Eine längst vergangene Epoche, deren Einfluss aber noch heute in vielen Werken der Galerie spürbar ist. In dieser einzigartigen Atmosphäre schuf Ludovico Ariosto den „Orlando Furioso“, und bedeutende Persönlichkeiten wirkten für den Herzog – eine beispielhafte Verbindung von Kunst und Politik, die seit jeher das Markenzeichen der Familie Este war. Inspiration für so viele Meisterwerke von Tizian und Antonio Lombardo, der Familie Dossi und Garofalo war ihr entschlossener Gönner, der den Staat selbst in Zeiten der Instabilität zu führen vermochte. Dies erzählen die Alabasterkammern, ein Spiegelbild von Alfonsos komplexer Persönlichkeit, sowie seine Porträts mit Artilleriegeschützen aus den herzoglichen Werkstätten. Kein Wunder also, dass er als „Artillerieherzog“ bekannt war und erbitterte Kämpfe gegen die Republik Venedig und insbesondere gegen Papst Julius II. führte, der Ferrara zurückerobern wollte. Gleichzeitig kümmerte sich Alfonso um das Hofleben in der Burg und seinen Residenzen, darunter der heute verlorene Belvedere-Palast, den er auf einer Flussinsel nahe der Stadt hatte errichten lassen. Er war zweimal verheiratet, zunächst mit Anna Maria Sforza (1491–1497) und dann mit Lucrezia Borgia (1501–1519). Schließlich verband ihn eine lange Ehe mit der jungen Laura Dianti. Ihr Neffe Cesare d’Este sollte nach dem Verlust des Herzogtums Ferrara die Herrschaft über Modena fortführen.

Borso d'Este (Ferrara, 1413–1471)
Die historische Bedeutung der Dynastie der Este, die vom Mittelalter bis zur Einigung Italiens herrschte, wurzelte in der Person Borsos. Er war es, der 1452 von Kaiser Friedrich III. von Habsburg den Herzogstitel für Modena und Reggio sowie von Papst Paul II. die begehrte Investitur für Ferrara erhielt. Ostern 1471 krönte Borso diesen Erfolg mit einem langen Aufenthalt in Rom, der für den Prunk und Pomp, den er und sein Hofstaat zur Schau stellten, in Erinnerung blieb. Dem Papst wurde die unschätzbar wertvolle illuminierte Bibel gezeigt, die noch heute in der Biblioteca Este aufbewahrt wird. Dies begründete die kluge Politik der Familie, die auf Prestige und Diplomatie setzte und die vielleicht wichtiger sein sollte als ihre militärischen Erfolge. Während Borsos zwanzigjähriger Herrschaft erlebte Ferrara auch dank Stadterweiterung und Agrarpolitik einen wirtschaftlichen Aufschwung. In der Tradition seines Vorgängers Leonello d’Este setzte der Herzog erfolgreich kulturelle Strategien und Förderprogramme ein, um die Autorität der Dynastie und der Stadt zu stärken, die für mindestens ein weiteres Jahrhundert im Zentrum der italienischen Geschichte bleiben sollte. Ein Symbol seiner „guten Regierungsführung“ ist der Palazzo di Schifanoia, dessen Verherrlichung sich in einem der bedeutendsten Bildzyklen der Renaissance widerspiegelt: dem Saal der Monate, geschaffen von Francesco del Cossa, Ercole de’ Roberti und anderen führenden Künstlern der Ferrareser Kunstszene.

 

Porträt von Francesco I. d'Este
Gian Lorenzo Bernini, 1650–1651, Marmor, 98 x 106 x 50 cm

Möchten Sie das Porträt von Francesco I. d'Este sehen? Es ist ein absolutes Meisterwerk der Bildhauerkunst, und Sie können ein 3D-Modell erkunden, das den Herzog mit Blick nach rechts zeigt. Die technische Meisterschaft, mit der die Spitzenkrause dargestellt ist, wird durch die wallende Perücke noch verstärkt. Ein Meer von Locken erzeugt eine wahre Kaskade aus Volumen und Leere, fast wie eine Welle. Die Büste löst jeden Bezug zur Statik klassischer Modelle auf: Vielmehr ist es der Marmor, der sich in ein Material verwandelt, das vor eigenständiger Vitalität pulsiert. Der Fall des flatternden Umhangs scheint die Gesetze der Schwerkraft zu verhöhnen. Betrachten Sie den Umhang genau: Er umhüllt die gesamte Figur und scheint das Gewicht des Marmors zu überwinden. Über den anatomischen Details verschmilzt er zu einer weißen Wolke.

 

Thronende Madonna mit Kind und Engeln, um 1350–1360, Tempera auf Holz
Francesco di Neri da Volterra, Volterra, 1315/20 – Pisa, um 1380

Seit 1864 in der Galerie (erworben auf dem Antiquitätenmarkt). Die Estense-Tafel – vom Künstler signiert – ist der wichtigste Bezugspunkt für die Rekonstruktion des Werks von Francesco di Neri da Volterra. Francesco di Neri, der lange in Pisa wirkte, übernahm die kraftvollen Figuren von der Florentiner Schule Giottos und die kostbare Goldverzierung der Gewänder von sienesischen Malern. Das Gemälde war ursprünglich das Mittelteil eines Polyptychons aus der Toskana, wie ein Siegelwachs der Medici auf der Rückseite der Tafel belegt.

Die Madonna der Demut, 1370
Paolo da Modena (Paolo de' Serafini), Modena, tätig in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts, Tempera auf Leinwand

Seit 1874 in der Galleria de' Serafini (erworben auf dem Antiquitätenmarkt). Dieses Temperagemälde – signiert und datiert, aber in schlechtem Erhaltungszustand und stark retuschiert – ist eines der wenigen bekannten Werke des modenesischen Malers Paolo de' Serafini, Sohn des bekannteren Serafino, der am Hof ​​der Este und im Dom von Modena arbeitete. Die Madonna der Demut, sitzend statt thronend, war eines der Lieblingsmotive der Bettelorden, darunter der Dominikaner, denen der hier kniend im Gebet dargestellte Gönner und der Künstler selbst angehörten.

Szenen aus dem Leben von Heiligen
Arcangelo di Cola da Camerino, Camerino, doc. 1416–1429, Tempera auf Holz

Das Martyrium der heiligen Katharina von Alexandrien; Die Grablegung Christi; Die Sterbesakramente des heiligen Zenobius; Das Martyrium des heiligen Andreas; Das Martyrium des heiligen Johannes des Evangelisten; um 1420–1430. Aus der Sammlung Giuseppe Campori, Modena; seit 1894 in der Galleria dell’Arte (Schenkung). Arcangelo di Cola war einer der spätgotischen Künstler, die in Camerino in den Marken wirkten, einer bedeutenden Malerschule zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Diese fünf Tafeln bildeten die Predella eines großen Polyptychons; mehrere weitere Tafeln sind erhalten und befinden sich in verschiedenen Museen. Die Anwesenheit des heiligen Zenobius, eines Florentiner Bischofs, lässt vermuten, dass das Gemälde für eine Kirche in Florenz in Auftrag gegeben wurde, wo Arcangelo zwischen 1420 und 1425 nachweislich lebte und wo er die Werke des jungen Masaccio kennenlernte.

Johannes der Täufer, ca. 1460–1470, Tempera auf Holz, Provenienz unbekannt
Giovanni Antonio da Pesaro, Pesaro, ca. 1415 – ca. 1475

Giovanni Antonio Bellinzoni, Sohn eines ursprünglich aus Parma stammenden Malers, wirkte in Pesaro und mehreren anderen kleineren Städten der Marken. Im Laufe der Zeit distanzierte er sich zunehmend vom grob naturalistischen Stil seines Vaters und ließ sich von der zeitgenössischen umbrischen und sienesischen Malerei sowie den Meistern der Spätgotik Venetiens und der Emilia-Romagna inspirieren. Der Heilige Johannes der Täufer zählt zu Bellinzonis Spätwerk, das sich durch eine gewisse formale Strenge auszeichnet.

 

Modena und Ferrara in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts
In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts hielten die Neuerungen der Renaissance dank zweier Familienwerkstätten Einzug in Modena. Die Brüder Agnolo und Bartolomeo degli Erri, die das große Polyptychon für das Oratorium der Totenkompanie schufen, waren von den lichtdurchfluteten, perspektivischen Gemälden der Toskana und von Donatellos Skulpturen in Padua beeinflusst. Cristoforo und Lorenzo Canozi aus Lendinara in Venetien waren vor allem als Intarsienkünstler tätig, zeigten aber auch großes Können in der Malerei. Besonders die Perspektive beherrschten sie meisterhaft; sie erlernten sie durch die Begegnung mit Piero della Francesca in Ferrara. Die Galerie besitzt das einzige bekannte Werk eines weiteren Meisters der Tiefdruckkunst, Bartolomeo Bonascia: die Pietà, die Museumsdirektor Antonio Boccolari 1838 auf dem Dachboden eines Privathauses entdeckte und die den Erfolg dieses Künstlers zu Lebzeiten belegt.

In Ferrara, der Hauptstadt des Herzogtums Este, förderte der Hof die Künste großzügig und führte sie zu neuen Höhen der Raffinesse. Er beschäftigte die beiden bedeutendsten Künstler der Schule von Ferrara. Einer von ihnen, Cosmé Tura, entwickelte einen unverwechselbaren Stil, geprägt von den vielfältigen Einflüssen, die die Förderung durch Leonello und Borso in die Stadt brachte. Dazu zählten die Miniaturmaler, die an Borsos berühmter Bibel mitwirkten, die flämische Goldschmiedekunst Frankreichs sowie Werke von Rogier van der Weyden und Andrea Mantegna. Cosmé Tura wurde als Lieblingsmaler Herzog Ercoles I. von Ercole de’ Roberti abgelöst, als dieser nach einem langen Aufenthalt in Bologna nach Ferrara zurückkehrte. De’ Roberti modernisierte seinen Stil, ohne jedoch den von seinem Vorgänger eingeschlagenen, schwierigen Weg gänzlich zu verlassen. In denselben Jahrzehnten verbreitete sich auch die polychrome Bildhauerei zwischen Ferrara und Modena, insbesondere die populäre Tradition dramatischer Klagelieder über den toten Christus. Michele da Firenze war einer ihrer Erfinder, und Guido Mazzoni war ihr bester Interpret.

Michele da Firenze (Michele di Nicolò di Dino), Florenz, 1403 – Pesaro, 1457
Die Beweinung Christi, 1443–1448, Polychrome Terrakotta

Aus dem ehemaligen Kloster San Geminiano in Modena (entdeckt 2006). Diese kürzlich entdeckte Skulpturengruppe, entstanden etwa dreißig Jahre vor den ersten Werken Guido Mazzonis, belegt die Verbreitung polychromer Terrakotta-Beweinungen in der Emilia-Romagna. Michele da Firenze war ein talentierter Florentiner Modellierer, ein Schüler Ghibertis und später in Ferrara und Verona an der Seite Pisanellos tätig, bevor er 1440 nach Modena zog, um den großen Altaraufsatz im Dom zu schaffen, der heute als „Altar der kleinen Statuen“ bekannt ist.

 

Cristoforo Canozi da Lendinara, Lendinara, 1448 – Parma, um 1490
Madonna mit Kind (Madonna an der Säule), 1479–1482, Öl auf Holz

Aus dem Dom von Modena; später aus der Kirche Santi Faustino e Giovita (1607); seit 1859 in der Galleria dell’Arte (erworben). Dieses Gemälde, signiert und datiert „Christophorus de Lendinara opus 1482“, könnte dennoch die 1479 dokumentierte Tafel auf einem Altar sein, der an einer Säule im Dom von Modena lehnte. Das Werk liefert wichtige Erkenntnisse über den Zusammenhang zwischen Cristoforos Intarsienarbeiten, die auf der großen perspektivischen Lehre Piero della Francescas basierten, und seiner Tätigkeit als Maler, die sich durch rationale Kompositionen und geometrische Vereinfachung der Formen auszeichnet.

Angelo degli Erri, Modena, doc. 1430–1497
Bartolomeo degli Erri, Modena, doc. 1430–1479
Die Krönung Mariens mit Heiligen (Polyptychon des Ospedale della Morte), 1462–1466, Tempera auf Holz

Aus dem Oratorium der Compagnia della Morte, Modena; seit 1885 in der Galleria dell’Arte (erworben auf dem Antiquitätenmarkt). Dieses Polyptychon ist der spätgotischen Tradition der Region treu und zugleich Ausdruck des neuen Renaissancestils der Toskana. Es zählt zu den repräsentativsten Werken der Modeneser Kunst des 15. Jahrhunderts. Der exquisite, nahezu vollständig erhaltene Rahmen ist, wie bei Polytychen üblich, in Felder unterteilt. Die präzise Perspektive erzeugt dennoch ein Gefühl der Einheit, während das diffuse Licht die plastische Modellierung der Figuren weicher erscheinen lässt.

 

Römisch, 1. Jahrhundert v. Chr. mit Eingriffen aus dem 16. Jahrhundert (?)
Junge, der sich einen Dorn aus dem Fuß zieht (Spinario), Marmor

1566 in der Sammlung von Kardinal Ippolito II. d’Este in Ferrara; später in der Sammlung von Alfonso II. d’Este; dann in den Este-Sammlungen im Herzogspalast, Modena
Die Statue stellt den sogenannten Spinario dar, einen sitzenden Jungen, der sich einen Dorn aus dem Fuß zieht. Das Werk soll 1566 bei Ausgrabungen auf dem Palatin in Rom, finanziert von Kardinal Ippolito II. d’Este, geborgen worden sein. Lange Zeit galt es als Renaissance-Kopie des Kapitolinischen Spinario, wird aber seit Kurzem dem 1. Jahrhundert v. Chr. zugeschrieben und zählt damit zu den besten römischen Kopien eines hellenistischen Vorbilds aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. Diese Interpretation ist jedoch weiterhin Gegenstand heftiger Debatten.

L’Antico (Pier Jacopo Alari Bonacolsi), Mantua, um 1455 – Gazzuolo (Mantua), 1528
Knabe, der sich einen Dorn aus dem Fuß zieht (Spinario), um 1519–1520, Bronze

Aus den Sammlungen Este, Ferrara (?). Diese Figur ist eine detailgetreue Reproduktion der Bronzeskulptur, die sich seit 1471 auf Wunsch von Papst Sixtus IV. auf dem Kapitol in Rom befindet. Die reduzierten Maße, die dunkle, aber warme Patina und die weiche Modellierung des Körpers des Jungen machten sie zu einem begehrten Sammlerstück. Figuren dieses Motivs wurden ab 1494 in der Werkstatt von Antico in Serie gefertigt und verbreiteten sich im Laufe des 16. Jahrhunderts in ganz Europa. Dieses Exemplar wurde Alfonso I. d’Este möglicherweise von seiner Schwester Isabella, Markgrafin von Mantua, geschenkt.

 

Guido Mazzoni, Modena, 1450–1518
Kopf eines alten Mannes, um 1480–1485, Polychrome Terrakotta

Aus der Kirche San Lorenzo in Cremona (?); danach Sammlung Ludovico Calori Cesis in Modena; seit 1909 in der Galleria dell’Arte de la Vincoli (Schenkung). Dieser Kopf ist möglicherweise das einzige erhaltene Original der Figur des Nikodemus aus der Beweinung Christi, die sich zuvor in der Kirche San Lorenzo in Cremona befand und heute verloren ist. Der Kopf ist ein herausragendes Beispiel für Mazzonis lebendigen Realismus, der den Höhepunkten der Kunstkultur der Po-Ebene in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entspricht und den Lehren Donatellos und Mantegnas folgt. Die Farbgebung ist nicht original, vermittelt aber einen Eindruck davon, wie die Skulptur ursprünglich aussah.

 

Francesco di Bianco Ferrari, heute bekannt als Bianchi Ferrari, war der bedeutendste Künstler Modenas im 15. und 16. Jahrhundert. In den Stadtchroniken jener Zeit wird er mit Stolz als „vollkommener Maler und guter Mensch“ und später als „Lehrer des göttlichen Koloristen Antonio da Correggio“ erwähnt. Obwohl letzteres schwer zu beweisen ist, trug es im 19. Jahrhundert nach drei Jahrhunderten des Vergessens zu seiner Wiederentdeckung bei. Ferraris Werke gelangten mit den unterschiedlichsten Zuschreibungen in die Galleria Estense: Die Pala der drei Kreuze (erworben 1818) wurde dem flämischen Künstler Gerard David zugeschrieben, die Verkündigung (erworben 1821) Francesco Francia. Die erste verlässliche kritische Rekonstruktion des Werks dieses Modeneser Künstlers erfolgte in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts mit den Studien von Adolfo Venturi.

Die drei in diesem Raum ausgestellten Altarbilder ermöglichen es uns, den gesamten Bogen von Ferraris künstlerischer Laufbahn nachzuvollziehen: Das Altarbild aus Mirandola zeigt seine frühe Hinwendung zum Stil von Ercole de' Roberti, was auf eine frühe Ausbildung in Ferrara schließen lässt; seine Kreuzigung in San Domenico in Modena zeigt, wie er seinen Stil Ende des 15. Jahrhunderts unter dem Einfluss von Lorenzo Costa und Francesco Francia in Bologna und Giovanni Bellini in Venedig modernisierte; und schließlich die anachronistische Verkündigung, Ferraris posthumes Meisterwerk, das poliert und lichtdurchflutet ist wie ein Gemälde aus dem 15. Jahrhundert.

Francesco Bianchi Ferrari, Modena, geboren 1487 – gestorben 1510
Kreuzigung mit den Heiligen Hieronymus und Franziskus (Altar der Drei Kreuze), um 1490–1495, Öl auf Holz

Kirche San Francesco, Mirandola; Sammlung Franz IV. von Österreich-Este (erworben von Antonio Gavioli, 1818). Dieser Altar wurde von Mitgliedern des Mirandolaer Adels, Giovan Francesco II. Pico und Giovanna Carafa, in Auftrag gegeben. Sie sind als Heiliger Franziskus und als die elegante Dame, die die Jungfrau Maria stützt, dargestellt. Die detailreiche Komposition erinnert an die monumentale Kreuzigungsszene von Garganelli, die Ercole de' Roberti zwischen 1475 und 1485 in San Pietro in Bologna freskotete. Es gibt jedoch auch starke Modeneser Akzente: die klar definierten Konturen, die typisch für die Meister der Intarsien sind, und der Naturalismus des Heiligen Franziskus, der beiden Räuber und der Gruppe der Marien, inspiriert von Guido Mazzonis dramatischen Beweinungen.

 

Giuliano Bugiardini, Florenz, 1476–1555
Die Geburt Johannes des Täufers, 1517–1519, Öl auf Holz

Aus der Sammlung Kardinal Alessandro d’Este, Rom; später Sammlung Este in Modena; zwischen 1824 und 1836 in die Galleria dell’Arte aufgenommen. Bugiardini, ein Nachfolger Michelangelos und Raffaels, schildert die wundersamen Ereignisse der heiligen Geschichte in schlichter und aufrichtiger Andacht. Das Gemälde, ehemals im Besitz von Kardinal Alessandro d’Este, zeigt in einem einzigen Augenblick den Besuch der Jungfrau Maria bei der heiligen Elisabeth und die Namensgebung des Neugeborenen als Johannes. Die Szene, die von Blicken und Gesten geprägt ist, entfaltet sich in einem intimen häuslichen Interieur, das mit Alltagsgegenständen gefüllt ist, die der Künstler mit Feingefühl und Sensibilität eingefangen hat.

Francesco Botticini, Florenz, 1446–1498
Die Anbetung des Christuskindes, um 1470–1475, Öl auf Holz

Aus der Sammlung des Marquis Tommaso Obizzi in Catajo bei Padua; seit 1816 in der Sammlung Franz IV. von Österreich-Este (Schenkung). Dieses wunderschöne Gemälde, das früher Botticelli zugeschrieben wurde, gilt heute als Frühwerk von Francesco Botticini, der vermutlich in der Werkstatt Verrocchios, zusammen mit seinem berühmteren Zeitgenossen, ausgebildet wurde. Wie Verrocchio und andere Meister der frühen Florentiner Renaissance interessierte sich Botticini besonders für die detailgetreue Darstellung von Kleidung und Frisuren sowie für die präzise perspektivische Wiedergabe von architektonischen Ruinen, die hier den Blick auf die ferne Landschaft freigeben.

 

Frührenaissancezeitliche venezianische und lombardische Malerei
Ab 1470 veränderte Giovanni Bellini die Richtung der venezianischen Malerei und begründete eine Kunstschule, die in der italienischen Renaissance mit der Florentiner Schule konkurrierte. Die Expansion der Serenissima entlang der Adriaküste, der Küsten Dalmatiens und der Romagrini, die Einbeziehung von Häfen in den Regionen Marken und Abruzzen sowie das Vordringen ins Landesinnere der Lombardei bis nach Bergamo, Lodi und Cremona, erweiterte das Potenzial für die Förderung venezianischer Künstler und trug zur Verbreitung ihrer künstlerischen Sprache bei. Der istrische Künstler Bernardino Parenzano gilt als letzter Vertreter der Paduanischen Schule. Bis 1460, als Andrea Mantegna nach Mantua aufbrach, war Padua das wichtigste Zentrum für die Verbreitung des nunmehrigen Renaissancestils in Norditalien. Giovan Francesco Maineri aus Parma und Antonio Solario aus den Abruzzen orientierten sich in ihren Werken, die an die Ikonographie des leidenden Christus erinnerten, an Giovanni Bellini und der lombardischen Malerei.

Cima wurde in Conegliano geboren, gründete aber seine Werkstatt in Venedig und sandte von dort Altarbilder und Andachtsbilder in Städte in Venetien, der Lombardei und der Emilia-Romagna. Boccaccio Boccaccino arbeitete in Venedig, Cremona und Ferrara, wo er einen bedeutenden Einfluss auf lokale Künstler ausübte, darunter Domenico Panetti. Giovan Francesco Caroto wirkte hauptsächlich in Verona, wo er um 1500 in einem noch von Mantegna geprägten künstlerischen Umfeld ausgebildet wurde. Bartolomeo Montagna hingegen verbrachte seine gesamte künstlerische Laufbahn in seiner Geburtsstadt Vicenza, obwohl er in Venedig in der Schule Bellinis ausgebildet wurde. Ihre Gemälde sind in Saal 10 ausgestellt. Das Werk von Giorgione und Tizian, den beiden Erneuerern der venezianischen Malerei des frühen 15. Jahrhunderts, inspirierte sowohl Cariani aus Bergamo als auch Bonifacio Veronese. Letzterer gründete eine wichtige Werkstatt in Venedig, in der sowohl der junge Tintoretto als auch Jacopo Bassano arbeiteten.

Bonifacio Veronese (Bonifacio Pitati), Verona, um 1487 – Venedig, 1553
Gerechtigkeit und Mäßigung, Klugheit und Tapferkeit, 1532–1534, Öl auf Leinwand

Aus dem Camerlenghi-Palast in Venedig; 1811 von der napoleonischen Regierung der Galleria dell’Acceleraria geschenkt. Die vier Kardinaltugenden waren Teil der Dekoration des Camerlenghi-Palastes, des Finanzministeriums der Republik Venedig. Die Dekoration wurde vollständig Bonifacio anvertraut, der bereits seit einiger Zeit in der Stadt tätig war. Die imposanten Figuren, die die gesamte Leinwandfläche einnehmen und sich vom dunklen Hintergrund abheben, zeugen vom Einfluss des mittelitalienischen Manierismus, der von Pordenone und anderen Künstlern, die 1527 vor dem Sacco di Roma geflohen waren, nach Venedig gebracht wurde.

 

Die Beweinung Christi von Cima da Conegliano
Dieses Gemälde wurde von Alberto III. Pio (1475–1531), einem Adligen aus Carpi, bei Cima in Auftrag gegeben, vermutlich zum Gedenken an den tragischen Tod seiner Mutter Caterina Pico, die 1501 ermordet wurde. Als kaiserlicher Botschafter beim Heiligen Stuhl nahm Alberto das Gemälde mit nach Rom und bewahrte es unter seinen wertvollsten Besitztümern auf. Erst nach dem Tod dieses humanistischen Fürsten 1531 in Paris wurde die Beweinung – zweifellos eines von Cimas besten Werken – in der Kirche San Nicolò in Carpi aufgestellt, wo die Familie Pio traditionell begraben lag. Zwischen 1629 und 1658 wurde das Gemälde auf Anordnung von Francesco I. d’Este, der es in der von ihm im Herzogspalast von Modena eingerichteten Galerie unter den venezianischen Gemälden haben wollte, von dort entfernt.

Die Ikonographie, die sich auf die Spiegelung des toten Christus und der trauernden Maria konzentriert, ist ein seltenes Beispiel in der Malerei für das Thema des Mitgefühls (compassio), also die Teilnahme der Jungfrau Maria am Leiden ihres Sohnes. Möglicherweise wurde das Antlitz der bewusstlosen Jungfrau nach dem Vorbild der Totenmaske der Mutter des Auftraggebers gestaltet. Die Anwesenheit der Heiligen Franziskus und Bernhardin, die über das Leiden meditieren, steht im Zusammenhang mit Albertos Verbundenheit zum Observantenorden der Franziskaner, dem auch Cima zeitlebens angehörte.

Cima da Conegliano (Giovanni Battista Cima), Conegliano, um 1459–1517.
Die Beweinung Christi mit den Heiligen Franziskus und Bernhardin, um 1502–1505, Öl auf Holz
Aus der Kirche San Niccolò degli Osservanti, Carpi, in der Sammlung von Francesco I. d’Este nach 1624

 

Marco Meloni, Carpi, doc. 1500–1540
Die Jungfrau mit dem Kind und den Heiligen Johannes dem Täufer, Bernhardin von Siena, Franziskus und Hieronymus, 1504, Tempera auf Holz

Aus der Kirche San Bernardino in Carpi, seit 1818 in der Sammlung Franz IV. von Österreich-Este.
Marco Meloni, im Dienst von Alberto Pio, einem Gutsherrn aus Carpi, malte in einem Stil, der hauptsächlich von Perugino beeinflusst war. Dessen Einfluss zeigt sich in den anmutigen Posen der Figuren, ihren entrückten Blicken und geneigten Köpfen. Die Kartusche am unteren Rand gibt die Entstehungsjahr des Werkes an: 1504. Im Hintergrund ist die Ansicht einer Stadt in der Ferne mit hohen zylindrischen Türmen von nordeuropäischer Malerei inspiriert.

 

Drei Altarbilder um 1490–1510
Die hier ausgestellten Altarbilder veranschaulichen, wie sich die Maler in Modena um die Wende zum 16. Jahrhundert von den Werken der großen Ferraraser Künstler, die in Bologna wirkten (Francesco del Cossa, Ercole de’ Roberti), dem „modernen Stil“ Peruginos und seiner emilianischen Nachfolger (Lorenzo Costa, Francesco Francia) zuwandten. Das Altarbild „Pala Rangoni“ (um 1490–1500) ist nach Niccolò Maria benannt, einem Adligen aus der befestigten Stadt Spilamberto, der kniend zu Füßen der Jungfrau Maria neben seiner Frau Bianca Bentivoglio dargestellt ist. Die Verbindung zwischen diesen beiden Familien erklärt, warum der anonyme Künstler, der früher als Bianchi Ferrari identifiziert wurde, das Altarbild des Ferraraser Künstlers Lorenzo Costa für die Bentivoglio-Kapelle in San Giacomo Maggiore in Bologna (1488–90) als Vorbild nahm. Der Einfluss von Peruginos lieblichem Stil, der bereits in den Pala Rangoni erkennbar ist, tritt in Marco Melonis Altarbild für die Bruderschaft San Bernardino in Carpi, entstanden 1504, deutlich hervor. Unter der Herrschaft Alberts III. Pio (1490–1525) erlebte diese Stadt, das Zentrum seines kleinen Lehens, eine Blütezeit kultureller und architektonischer Pracht. In dem großen Altarbild für die Bruderschaft Battuti Bianchi in Modena (1507–09) knüpfte Pellegrino Munari an die lokale Tradition an, die auf Francesco Bianchi Ferrari zurückging, und orientierte sich dabei am Stil Francesco Francias, von dem er die Gruppe der Madonna mit Kind übernahm.

Antonio Begarelli, Modena, 1499–1565
Büste von Lionello Beliardi, 1529, Terrakotta

Aus der Kirche San Francesco, Modena; seit Ende des 19. Jahrhunderts in der Galleria. Diese Büste von Lionello Beliardi ist eines der wenigen erhaltenen Fragmente des prachtvollen Grabmals, das Giacomo Beliardi, der Leiter der Gemeinde Modena, zum Gedenken an seinen Vater Francesco und seinen Bruder Lionello in Auftrag gab. 1807, als die Kirche vom Militär als Lager und Stall genutzt wurde, wurde das Denkmal zerstört. Das idealisierte Gesicht, das Mazzonis realistischen Zügen entlehnt ist, erinnert an antike Statuen.

Pellegrino Munari (Pellegrino Aretusi, auch Pellegrino da Modena genannt), Modena, 1493–1523
Die thronende Madonna mit Kind und den Heiligen Geminianus und Hieronymus, 1507–1509, Öl auf Holz

Aus der Kirche Santa Maria della Neve, Modena; 1840 von der Pinacoteca di Ferrara auf dem Antiquitätenmarkt in Verona erworben. Ferrara, Pinacoteca Nazionale (Inv.-Nr. 149), seit 2020 als Dauerleihgabe in der Galleria Estense. Dieses Altarbild, gemalt von Munari in den Jahren 1507–1509 für die Kirche Santa Maria della Neve in Modena und später auf dem venezianischen Antiquitätenmarkt verkauft, wurde 1840 von der Pinacoteca di Ferrara als Werk von Lorenzo Costa erworben. Es ist das einzige Werk, das diesem Künstler aus Modena mit Sicherheit zugeschrieben werden kann, bevor er in Raffaels Werkstatt in Rom wechselte, wo er seinen Stil radikal veränderte (siehe Raum 15). Dieses Werk zeigt, wie Munari in die Fußstapfen des älteren Francesco Bianchi Ferrari trat.

 

Antonio Begarelli: ((Wenn diese Erde zu Marmor würde, wehe den antiken Skulpturen.) Laut Giorgio Vasari könnte dies Michelangelos Antwort auf Antonio Begarellis Skulpturen gewesen sein. Der große Meister hat diese Worte vermutlich nie gesprochen, doch die Tatsache, dass sie ihm vom berühmten toskanischen Kunsthistoriker zugeschrieben wurden, zeugt vom Ruhm, den dieser Bildhauer aus Modena Mitte des 16. Jahrhunderts genoss. Die Geschichte offenbart auch die Vorurteile gegenüber Terrakotta-Skulpturen, die damals als minderwertige Kunstgattung galten. Dies führte dazu, dass Begarelli nach seinem Tod so schnell in Vergessenheit geriet und so viele seiner Werke zerstört wurden. Zu Lebzeiten war er sehr erfolgreich: 1522, mit kaum mehr als zwanzig Jahren, bot er dem Stadtrat aus eigener Initiative eine große Skulptur an, die Madonna di Piazza (heute im Museo Civico), die an der Fassade des Palazzo Pubblico angebracht wurde. Dadurch sicherte sich Begarelli ein Gehalt von der Stadt und die Gunst der wichtigsten Familien und Orden. Nach seinem Tod im Jahr 1565 wurde er in der Kirche San beigesetzt. Pietro in einem prachtvollen Grabmal, das er selbst geschaffen hatte.

Begarelli verzichtete auf die leuchtende Polychromie der Terrakotta-Skulpturen des 15. Jahrhunderts und färbte seine Werke weiß, um monumentale Marmorskulpturen nachzuahmen. Während Nicolò dell’Arca und Guido Mazzoni ein hohes Maß an Realismus und dramatischer emotionaler Wirkung erreichten, konzentrierte sich Begarelli auf dieselben Ideale klassischer Perfektion und feiner Sentimentalität, die bereits Raffael und Correggio inspiriert hatten.

Nicolò Dell'Abate, Modena, 1509 – Fontainebleau (?), 1571
Glaube; Hoffnung; Klugheit; Wachsamkeit (?), 1535–1538, Wandmalereien, auf Leinwand übertragen
Von der Fassade der Beccherie in Modena; seit 1845 in den Este-Sammlungen im Herzogspalast Modena. Die Fassade des öffentlichen Schlachthofs von Modena, der nahe der Piazza Grande auf Geheiß der Hüter der Prächtigen Gemeinschaft errichtet wurde, wurde von Nicolò Dell'Abate mit Fresken bemalt. Die Dekoration umfasste galante Szenen, Konzerte, Tugenden, die wie fiktive Skulpturen wirkten, und die majestätische Figur des Schutzpatrons Geminano (heute im Stadtmuseum ausgestellt). Zwischen den Gesimsen befanden sich gemalte Landschaften, die von Putten und Satyrn sowie von Trauben pflückenden Cherubim getragen wurden, nach dem Vorbild der Freskenkompositionen Raffaels und seiner Schule in Rom.

Antonio Begarelli, Modena, 1499–1565
Hl. Peregrinus; Hl. Bonaventura, um 1540, Terrakotta
Aus dem Oratorium San Pellegrino, später Kirche San Nicolò, Bomporto; seit 1915 in der Galleria Estense (erworben auf dem Markt). Diese beiden Heiligen flankierten ursprünglich die Gruppe des gekreuzigten Christus mit der Jungfrau Maria und dem Hl. Johannes im Oratorium San Pellegrino in Bomporto. Im 19. Jahrhundert, nach dem Abriss des Gebäudes, gelangten die Skulpturen in die Kirche San Nicolò. Eine Reihe komplexer Ereignisse und unsachgemäße Verkäufe führten jedoch zur Zerstreuung der Gruppe. Das Kruzifix und die Statuen der Grievers verblieben in Bomporto, während die beiden Heiligen 1915 für die Galleria Estense erworben wurden.

Antonio Begarelli, Modena, 1499–1565
Die Beweinung Christi, Die Taufe Christi, um 1535–1540, Terrakotta
Aus der zerstörten Kirche San Salvatore in Modena; seit etwa 1920 in der Galleria. Begarelli erhielt den Auftrag, die Taufe Christi, die Beweinung Christi und die Jungfrau mit dem Kind, die in diesem Raum ausgestellt sind, für die Kirche San Salvatore in Modena zu schaffen, die 1534 nach einem Brand wiederaufgebaut wurde. Die Figur Christi besitzt eine sanfte und elegante Ausstrahlung, die an Werke von Parmigianino erinnert, während der kraftvolle und markante Heilige Johannes im Gegensatz dazu an Werke von Nicolò dell’Abate denken lässt, der in denselben Jahren die Decke der Kirche bemalte.

 

Antonio Begarelli, Modena, 1499–1565
Die Jungfrau mit dem Kind, um 1535–1540, Terrakotta
Aus der zerstörten Kirche San Salvatore in Modena; später aus der Kirche La Paradisino in Modena; seit 1889 in der Galleria dell'Arte (erworben). Diese imposante Skulptur, geschaffen für den Hochaltar der Kirche San Salvatore, war ursprünglich von vier Engeln umgeben (heute im Bode-Museum, Berlin): zwei fliegende Engel, hoch oben hinter der Statue, und zwei Engel als Kerzenhalter, die die Jungfrau flankierten. Die Figuren der Mutter und des Kindes, die klassischen Gottheiten ähneln, erinnern an die idealisierten Modelle, die Raffael in Rom malte.

 

Estes Mäzenatentum in Ferrara im 16. Jahrhundert
In diesem Raum werden einige der wichtigsten Werke aus dem 16. Jahrhundert aus den Este-Sammlungen in Ferrara präsentiert. Alfons I., der von 1505 bis 1534 regierte, war einer der größten Mäzene seiner Zeit, obwohl er sich selbst gern als tapferen Krieger darstellte. So wird er sowohl in dem gemalten Porträt von Battista Dossi als auch in der Skulptur von Alfonso Lombardi porträtiert. Das Porträt von Alfons’ Vater, Ercole I., wurde von Dosso Dossi, dem Hofmaler Alfons’ I., gemalt. Dosso malte auch das Bild eines Hofnarren, ein wichtiges Beispiel für die damals an den Höfen der Po-Ebene weit verbreitete Vorliebe für heitere Themen. Diese Tendenz, moralische Themen humorvoll zu behandeln, zeigt sich auch in Dossos Gemäldeserie für die Decke von Alfons’ I. Schlafzimmer. Sein religiöses Meisterwerk, der große Altaraufsatz aus der Kirche Sant’Agostino in Modena, entstand hingegen nicht im Auftrag der Este. Alfonsos Sohn, Ercole II., Herzog von 1534 bis 1559, schätzte anspruchsvolle Sujets der klassischen Kultur und raffinierte Allegorien. Dazu gehören die Geduld, die auch auf dem Sockel der prächtigen Büste von Prospero Spani dargestellt ist, sowie Gelegenheit und Reue, gemalt von Girolamo da Carpi für die Neuen Säle im Herzogspalast von Ferrara.

 

Prospero Sogari Spani, genannt Clemente, Reggio Emilia, 1516–1584
Büste des Herzogs Ercole II. d’Este, 1554, Marmor
Aus der Loggia degli Aranci im Castello Estense, Ferrara; seit 1629 in der Sammlung Este in Modena. Diese Büste, eines der bedeutendsten Staatsporträts des 16. Jahrhunderts, ist eine gelungene Interpretation römischer Vorbilder der Kaiserzeit. Auf dem unteren Teil der Rüstung liegt Atlas, während Herkules das Himmelsgewölbe erhebt – eine Anspielung auf die Regierungsverantwortung des Herzogs. Ercole II. identifizierte sich mit dem griechischen Helden, dessen Namen er trug. Die allegorische Bedeutung der Skulptur wird durch das Basrelief in der Mitte des Sockels bestätigt. Es stellt die Geduld dar, Ercoles II. persönliches Emblem, dessen Ikonographie mit der des daneben ausgestellten Gemäldes übereinstimmt.

 

Alfonso Lombardi, Ferrara, um 1497 – Bologna, 1537
Büste von Alfonso I. d’Este, um 1530–1536, Marmor
Aus dem Palazzo Te, Mantua (?); Palazzo dei Diamanti in Ferrara; seit 1629 in der Sammlung Este in Modena
Diese Büste von Alfonso I. d’Este gehörte zu einer unvollendeten Serie von zwölf Skulpturen berühmter Heerführer oder stammt aus dieser. Sie wurde 1529 von Herzog Federico II. Gonzaga (1519–1540) von Mantua bei Alfonso Lombardi für eine Loggia im Palazzo Te in Auftrag gegeben. Nach einem offiziellen Hofmodell zeigt die Skulptur den gepanzerten Herzog von Este im fortgeschrittenen Alter, wie auch auf dem Gemälde von Battista Dossi.

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò Luteri), Tramuschio, Mirandola, um 1486 - Ferrara, 1542
Battista Dossi, (Battista di Niccolò Luteri), Ferrara, Doktor. 1517-1548
Geburt mit dem Ewigen Vater, 1533-1536, Öl auf Holz
Aus dem Dom von Modena; seit 1783 in den Este-Sammlungen im Herzogspalast in Modena. Dieses Altarbild wurde 1533 von Alfons I. als Votivgabe zur Unterstützung der Rückkehr Modenas unter die Este-Herrschaft in Auftrag gegeben. Obwohl das Gemälde von Dosso Dossi in Auftrag gegeben wurde, ist es größtenteils das Werk seines jüngeren Bruders Battista, seines wichtigsten Mitarbeiters. Die drei Figuren dieser sakralen Szene, von denen zwei in ein Gespräch vertieft sind, weisen keine ikonografischen Merkmale auf, die sie als die Heiligen Drei Könige oder Heilige kennzeichnen. Wahrscheinlich handelt es sich um Porträts dreier wichtiger Persönlichkeiten des Este-Hofes.

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò Luteri), Tramuschio, Mirandola, um 1486 – Ferrara, 1542
Madonna mit Kind, den Heiligen Georg und dem Erzengel Michael, um 1517–1518, Öl auf Holz
Aus der Kirche Sant’Agostino, Modena; in der Sammlung Francesco I. d’Este seit 1649. Dieses Altarbild, Dossos vielleicht schönste Darstellung eines sakralen Themas, vereint venezianische und toskanisch-römische Malerei. Die Pracht der Farben, insbesondere in der Kleidung und den Flügeln des Erzengels, sowie die Lichteffekte auf der Rüstung des Heiligen Georg zeigen, wie sehr sich Dosso einerseits an Tizians Werk orientierte. Andererseits zeugen die strengen Figuren der Madonna und des Heiligen Michael von seiner Vertrautheit mit Raffaels späteren Werken.

 

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò Luteri), zugeschrieben an Tramuschio, Mirandola (?), doc. 1517 - Ferrara, 1548
Madonna mit Kind und den Heiligen Sebastian und Georg, um 1515–1525, Öl auf Holz
Unbekannte Provenienz; Sammlung Este im Herzogspalast Modena, vor 1657. Die Provenienz dieses kleinen Altarbildes ist unbekannt, es wurde jedoch Mitte des 17. Jahrhunderts erstmals in der Galerie des Palazzo Este in Modena erwähnt. Vermutlich wurde es von Francesco I. Este aus einer Kirche oder Kapelle des Herzogtums entfernt. Die Zuschreibung an Dosso ist unter Kunsthistorikern nicht unumstritten, da die Figuren oft als weniger ausdrucksstark empfunden werden.

Florentiner Bildhauer des 16. Jahrhunderts (?)
Kopf, bekannt als Euripides, 1525–1550, Basalt
Aus der Sammlung von Kardinal Rodolfo Pio von Carpi; Sammlung Alfons II. d’Este (erworben 1572); in den Sammlungen Este in Modena von ca. 1600–1610. Laut dem Este-Antiquar Pirro Ligorio wurde dieser Kopf, der bereits in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts berühmt war, auf dem Aventin in Rom gefunden, zusammen mit einer Inschrift, die ihn als den tragischen Dichter Euripides identifizierte. Tatsächlich hat das Porträt jedoch keinen Bezug zur Ikonographie des Euripides, sondern ist eine kunstvolle Kopie aus der Renaissance. Wahrscheinlich von einem Florentiner Bildhauer geschaffen, überarbeitet es vermutlich ein antikes Fragment, das einen hellenistischen Herrscher oder einen germanischen König der Kaiserzeit darstellt.

 

Die Este-Harfe, ein Unikat ihrer Art, verkörpert die außergewöhnliche Raffinesse, die am Hof ​​der Este in den Bereichen angewandte Kunst und Musikkultur während der Herrschaft Alfons’ II. (1559–1597) erreicht wurde.

 

Die Königliche Galerie Estense wurde 1854 im Palazzo Ducale auf Geheiß von Franz V. von Österreich-Este gegründet, der 1859 das von den Ereignissen des Risorgimento erschütterte Fürstentum Este verließ. 1868 übergab der Herzog seine reiche Sammlung der Stadt Modena, die mit deren Betreuung und der Gewährleistung ihrer öffentlichen Nutzung beauftragt wurde. Der Palazzo Ducale sollte fortan die Militärakademie beherbergen, und die Galerie, die der italienischen Regierung zugeteilt worden war, zog 1894 in ihren heutigen Standort im Palazzo dei Musei um. Die im vierten Stock befindliche Ausstellung ist in vier Säle und achtzehn kleinere Räume unterteilt, in denen das von den Herzögen von Este seit den Glanzzeiten der Herrschaft Ferrara zusammengetragene künstlerische Erbe präsentiert wird. Als Ausdruck aristokratischer Sammelleidenschaft und vielfältiger Interessen umfassen die Sammlungen eine reichhaltige Gemäldegalerie, Marmor- und Terrakotta-Skulpturen, eine Antikensammlung mit Werken aus den wichtigsten Kulturen der Antike sowie erlesene Kunstgegenstände wie Bronzen, Elfenbeinschnitzereien, Majolika und Musikinstrumente. Zu den bedeutendsten Werken zählen: die ovalen Gemälde mythologischer Figuren, die die Carracci für den Palazzo dei Diamanti in Ferrara schufen, Tintorettos Zyklus zu Ovids Metamorphosen, Velázquez’ Porträt von Francesco I. von Este und Berninis Büste des Herzogs selbst, El Grecos Triptychon, Guercinos Venus, Amor und Mars sowie das Kruzifix von Guido Reni.

 

Michele Antonio Grandi, Carrara, 1635–1707
Cembalo, 1687
Intarsien aus Marmor, Holz, Metall, Reste von rotem Pigment. Aus der Sammlung von Francesco II. d’Este, 1687; Modena, Sammlung Este bis 1872; 2005 auf dem Antiquitätenmarkt von der Fondazione Cassa di Risparmio di Modena erworben; als Dauerleihgabe in der Galleria Estense. Dieses außergewöhnliche Cembalo zeugt von Francesco II. d’Estes Vorliebe für kuriose Objekte in seiner Sammlung von Musikinstrumenten. Saiten und Teile der Mechanik fehlen heute, doch einst konnte das Instrument wie ein traditionelles Cembalo gespielt werden. Alte Dokumente belegen, dass die feinen Marmorintarsien ursprünglich mit rotem Pigment gefüllt waren, was der Oberfläche einen extravaganten und kostbaren Zweifarbeneffekt verlieh, ähnlich wie bei Stoff.

 

Domenico Galli, Parma, 1649–1697
Violine, 1687, Geschnitztes und eingelegtes Ahorn und Tanne, Schildpatt, Glas
Cello, 1691, Geschnitztes und eingelegtes Ahorn, Tanne, Jujube, Ebenholz, Schildpatt, Glas und Keramik
Aus der Sammlung von Francesco II. d’Este. Diese beiden Instrumente, meisterhafte Beispiele der Schnitzkunst im Geigenbau, wurden von Domenico Galli aus Parma für Herzog Francesco II. d’Este gefertigt und sind eher zum Bewundern als zum Spielen geeignet. Sie ehren die Häuser Este und Stuart durch Embleme und mythologische Figuren, die auf das Exil von James Francis Edward Stuart, Sohn von Maria Beatrice d’Este und Jakob II., König von England, anspielen. Als Katholik wurde er in der Glorreichen Revolution von 1688 abgesetzt. Im zentralen Medaillon des Cellos besiegt Herkules die Hydra und symbolisiert damit die Rache an der Anglikanischen Kirche. Der Thronfolger lebte im Exil, ein nur in der katholischen Welt anerkannter Monarch, und starb in Rom, wo er im Petersdom beigesetzt wurde.

 

Von Ferrara nach Modena: Malerei und Musik
Dieser Raum präsentiert zwei bedeutende Epochen der Kunstförderung durch die Este. Viele der Gemälde stammen aus der Zeit kurz vor oder nach 1598, als die Estes Ferrara endgültig verließen und den Hof nach Modena, der neuen Hauptstadt des Herzogtums, verlegten. Die bedeutende Serie ovaler Gemälde von Carracci und seinen Schülern wird in vergoldeten Rahmen ausgestellt, war aber ursprünglich in die Decke des Palazzo dei Diamanti eingelassen, einer der wichtigsten Residenzen der Este, der heute die Pinacoteca Nazionale von Ferrara beherbergt. Viele der ausgestellten Altarbilder stammen ebenfalls aus dieser Modenaer Zeit, darunter Meisterwerke von Guido Reni und Guercino, die die Este-Herzöge im 18. Jahrhundert größtenteils direkt aus den Kirchen erwarben, in denen sie ursprünglich hingen. Dieser Raum bietet somit einen Überblick über die beste emilianische Malerei dieser Blütezeit, die fast unmittelbar als Schlüsselkapitel der italienischen und europäischen Zivilisationsgeschichte anerkannt wurde.

Die Gruppe bedeutender Musikinstrumente im Zentrum des Raumes sind fast alle für sich genommen Kunstwerke.
Sie stammen aus der Zeit Herzog Francesco II. d’Este (1662–1694), unter dem der Hof in Modena zu einem unvergleichlichen Zentrum der Musikkultur wurde. In dieser Zeit gründete der Herzog das Oratorium San Carlo und die Biblioteca Estense neu, die bis heute eine sehr reiche Sammlung musikalischer Handschriften beherbergt.

Tintoretto, Episoden aus Ovids Metamorphosen
Dieser Szenenzyklus aus den Metamorphosen des Dichters Ovid (43 v. Chr. – 17 n. Chr.) ist Tintorettos erstes bedeutendes Dekorationswerk. Der junge Künstler erhielt den Auftrag für diese vierzehn Tafeln vom venezianischen Bankier Vittore Pisani. Anlass war dessen Hochzeit mit Paolina Foscari im Jahr 1541, und die Gemälde sollten die Decke eines Schlafzimmers in seinem Familienpalast in Venedig schmücken. Francesco I. d’Este erwarb sie 1658 für die Decke einer der Camere da Parata im Herzogspalast von Modena, wo die wertvollsten Gemälde der Sammlung Este aufbewahrt wurden.

Die Motive stammen aus der italienischen Fassung der Metamorphosen, die 1522 von Niccolò degli Agostini in Venedig veröffentlicht wurde. Die Themen unglücklicher Liebe und bestraften Stolzes beinhalten eine moralische Warnung. Tintoretto nutzt die schmalen Bildflächen meisterhaft aus und reduziert jede Geschichte auf ihre Hauptfiguren, die er mit kunstvoller Verkürzung von unten darstellt, wodurch der Bildraum an Tiefe gewinnt. Die ausdrucksstarken Gesten der Figuren, ihre unsichere Haltung und die dramatische Lichtführung verleihen den Erzählungen eine theatralische und emotional packende Wirkung, die vermutlich durch die Deckengemälde Giulio Romanos im Palazzo Te in Mantua inspiriert wurde, die der junge Tintoretto dort gesehen hatte.

Tintoretto (Jacopo Robusti), Venedig, 1519–1594
Episoden aus Ovids Metamorphosen, 1541–1542, Öl auf Holz
Aus dem Palazzo Pisani in San Paterniano, Venedig; 1658 von Francesco d’Este erworben

 

 

Malerei in Modena im 16. Jahrhundert
In den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts trafen bedeutende Gemälde von Correggio und führenden Malern aus Ferrara in Modena ein und führten zu einer Erneuerung der lokalen Kunstszene, zu der weiterhin Anhänger von Bianchi Ferrari und des Bologneser Künstlers Francesco Francia gehörten. Dosso Dossi sandte zwei Meisterwerke in die Stadt: das Altarbild für die Kirche Sant’Agostino (um 1517–18) und das Altarbild des Heiligen Sebastian für die gleichnamige Kapelle im Dom (1522; noch immer an seinem ursprünglichen Standort); außerdem die „Geburt Christi mit drei Herren“ (1533–36), die er zusammen mit seinem Bruder Battista malte. 1533 schuf Garofalo, der bedeutendste Interpret des romanischen Stils in Ferrara, ein imposantes Altarbild für eine Kirche in Modena, das hier ausgestellt ist.

Rom war nach 1520 ein weiterer Schwerpunkt der Modeneser Kunst. Pellegrino Munari malte seine kunstvolle Geburt Christi vor 1523, nachdem er von einem Arbeitseinsatz mit Raffael an der Vatikanischen Logge zurückgekehrt war. Die „Mystische Vermählung der Heiligen Katharina“ (1541) des wenig bekannten Gaspare Pagani zeigt, wie modenesische Künstler Raffaels Werk bevorzugt durch die schlichtere und natürlichere Interpretation des Bildhauers Antonio Begarelli betrachteten. Der bedeutendste modenesische Maler des 16. Jahrhunderts war Nicolò dell’Abate, und die drei seltenen religiösen Werke aus seiner Frühphase, die hier ausgestellt sind, vereinen Elemente von Dosso, Begarelli, Parmigianino und Raffaels Bologneser Nachfolgern. Nicolò perfektionierte diesen überaus eleganten Stil, der sich besonders gut für Sujets der antiken Literatur und der Ritterdichtung eignete. Nachdem er Fresken mit Motiven dieser Art an der Fassade der alten Markthalle von Modena (1537-38), dem Schloss Boiardo in Scandiano (1540-45; heute im Herzogspalast, Sassuolo) und dem Feuersaal im Palazzo dei Conservatori in Modena (1546) fertiggestellt hatte, zog Nicolò nach Bologna und dann nach Fontainebleau, wo er seine Karriere als Maler am französischen Königshof beendete.

 

Pellegrino Munari, Modena, 1463–1523
Die Geburt Christi, 1520–1523, Tempera auf Holz
Aus der Kirche San Paolo, Modena; seit 1797 in der Galerie der Accademia di Belle Arti in Modena. Die seltene Ikonographie dieses Gemäldes entstammt dem apokryphen Evangelium des Pseudo-Matthäus. Darin zeigt der heilige Josef den ungläubigen Hebammen Zelomi und Salome die wundersame Geburt Jesu von der Jungfrau Maria. Munari malte das Werk für die Kirche der Nonnen von San Paolo nach seiner Rückkehr aus Rom, wo er Schüler Raffaels gewesen war. Raffaels Einfluss ist besonders in der Engelschar im oberen Teil des Gemäldes deutlich erkennbar.

 

Garofalo (Benvenuto Tisi), Ferrara, 1481 (?) – 1559
Die thronende Jungfrau mit Kind, musizierende Engel und die Heiligen Johannes der Täufer, Contardo d’Este und Lucia, 1533, Öl auf Leinwand
Aus der Kirche Sant’Agostino, Modena (?); danach in den Sammlungen Este im Herzogspalast, Modena. Diese monumentale Darstellung der thronenden Jungfrau, umgeben von musizierenden Engeln und Heiligen, ist deutlich von Raffael inspiriert. Die markante Figur unterhalb der Jungfrau sticht hervor: Erkennbar an den Initialen CE auf seinem Ärmel, handelt es sich um Contardo d’Este (1216–1249), den Sohn des Herrn von Ferrara, Aldobrandino I. Er ist hier im Verzicht auf Macht dargestellt: Die Pilgerkleidung und die Krone zu seinen Füßen symbolisieren seine Entscheidung für Demut.

 

Nicolò dell'Abate, Modena, 1509 – Fontainebleau (?), 1571
Die thronende Jungfrau mit Kind und den Heiligen Jakobus dem Älteren, Laurentius, Franz von Assisi und Klara, um 1530–35, Öl auf Holz
Für das Kloster Santa Chiara (?), Modena; in der Sammlung von Franz IV. von Österreich-Este zwischen 1824 und 1836. Dieses Altarbild, ein Frühwerk Nicolòs, zeigt eine Darstellung des Heiligen Johannes des Täufers am Fuße des Thrones der Jungfrau. Unerwartet farbig, scheint dieses Gemälde im Gemälde die Bildfläche zu durchbrechen. Es verbindet die beiden Landschaftssegmente, die das Ehrentuch hinter der Jungfrau flankieren, hebt sich leuchtend im Vordergrund ab und ergänzt den bläulichen Ton des Horizonts, der häufig in den Werken dieses modenesischen Künstlers zu finden ist. Die Ausführung des Brokats der Dalmatik des Heiligen Laurentius ist ebenso raffiniert.

Nicolò dell'Abate, Modena, 1509 – Fontainebleau (?), 1571
Die Kreuzigung, um 1535–1540, Öl auf Holz
Provenienz unbekannt; in der Sammlung Franz IV. von Österreich-Este nach 1814. Der erschütternde Moment der Kreuzigung, in dem die Jungfrau Maria in ihrem Drama versunken steht und die kniende Magdalena das Kreuz umarmt, ist in die umgebende Landschaft eingebettet, die Szenen aus der Passion Christi zeigt: Christi Auszug aus Jerusalem nach Golgatha und seine Begegnung mit Veronika. Die Anordnung der Figuren erinnert an Komposition und Einfluss der Skulpturengruppe, die Begarelli für die Kirche von Bomporto schuf, deren Figuren der Heiligen Bonaventura und Peregrinus sich in der Galleria befinden.

Gaspare Pagani, Modena, 1516 – nach 1541
Die mystische Vermählung der Heiligen Katharina mit den Heiligen Franz von Assisi, Klara, Cosmas und Damian (?), 1541, Öl auf Holz
Aus der Kirche Santa Chiara, Modena; seit 1797 in der Galerie der Accademia di Belle Arti in Modena. Dies ist das einzige gesicherte Werk von Gaspare Pagani. Über diesen modenesischen Künstler, der zu Lebzeiten als Porträtmaler geschätzt wurde, ist wenig bekannt. Hier scheint Pagani Begarellis Skulpturen in die Malerei zu übertragen und Bezüge zu Werken von Raffael, Dosso Dossi und Parmigianino herzustellen. Die naturalistischen Gesichtszüge der beiden Heiligen neben Klara, möglicherweise Cosmas und Damian, lassen vermuten, dass sie die unbekannten Stifter dieses Gemäldes sind.

 

Deutsche Werkstatt (?), Reiseschreibtisch, 1570–1580, Holz, Stoff, vergoldetes Messing, Silber und Halbedelsteine
Aus der Sammlung Gonzaga in Guastalla; seit 1749 in der Sammlung Francesco III. d’Este. Der reichhaltige Ornamentschmuck und die kunstvollen Intarsien machen den Schreibtisch zu einem herausragenden Beispiel für Kunsttischlerkunst und Goldschmiedekunst. Die komplexe, an eine Theaterszene erinnernde Innenstruktur umfasst Schubladen, verborgene Türen und Nischen mit vergoldeten Silberstatuetten, die ikonografische Themen wie den Ruhm der Waffen und militärische Tugend aufgreifen. In der Klappe befindet sich ein floraler Rahmen mit einem Stillleben mit Musikinstrumenten und Waffen, das in der Farbgebung der Intarsien typisch für den deutschen Geschmack des 16. Jahrhunderts ist.

 

Porträts nahmen in großen dynastischen Kunstsammlungen schon immer einen bedeutenden Platz ein. Von Skulpturen und Medaillen bis hin zu Gemälden bildet die Sammlung der Herzöge von Este keine Ausnahme. In diesem Raum ist eine wichtige Gruppe gemalter Porträts ausgestellt, die von Francesco I. d’Este dominiert wird: Velázquez’ Skizze, entstanden in Madrid, ist ein außergewöhnliches erstes Porträt des Herzogs, der zwanzig Jahre später in einer sensationellen Marmorbüste von Bernini in Rom verewigt wurde. Er wird flankiert von Figuren, die uns heute unbekannt sind, aber durch das Können der Künstler, die sie verewigt haben, immer noch kraftvoll präsent sind: von den emilianischen Meistern Torre und Guercino bis hin zum niederländischen Künstler De Braij.

An den anderen Wänden befinden sich Figuren, die zumeist mit dem Hof ​​von Modena während des Barock verbunden sind. Das große Ganzkörperporträt von Alfonso, Herzog und späterer Kapuzinerbruder, wird flankiert von Abbildern seiner Nachkommen Francesco, der ebenfalls Herzog von Modena wurde, und Maria Beatrice, der späteren Königin von England. Ebenfalls vertreten sind bedeutende Persönlichkeiten des Hofes, wie Fulvio Testi und Girolamo Graziani, die diplomatische und ministerielle Aufgaben mit ihrer Tätigkeit als Dichter, Schriftsteller und Berater verbanden. Zu den Porträts, die nicht in direktem Zusammenhang mit der Familie Este stehen, gehören jene von Alfonso II. Gonzaga und Ricciarda Cybo, Grafen von Novellara. Zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert beherbergte die kleine Stadt nahe Reggio Emilia einen prächtigen und blühenden Hof mit reichen Kunstsammlungen, die heute größtenteils verstreut sind.

 

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Sevilla, 1599 – Madrid, 1660
Porträt von Francesco I. d’Este, 1638, Öl auf Leinwand
Aus der Sammlung von Francesco I. d’Este; später in der Sammlung des Grafen Paolo Cassoli Lorenzotti, Modena; 1843 von Francesco IV. d’Austria-Este für die Akademie der Schönen Künste zurückerworben. 1638 unternahm Francesco I. d’Este eine diplomatische Mission an den Hof Philipps IV. von Spanien. Neben dem Austausch fürstlicher Versprechen und Geschenke führte diese kurzlebige Allianz auch zu dieser berühmten Studie für ein Reiterporträt, das nie realisiert wurde. Der junge und unerfahrene Herzog von Modena hatte das seltene Privileg, für Velázquez Modell zu sitzen, der der Kunst der offiziellen Porträtmalerei eine unvergleichliche Balance verlieh: die Mächtigen zu feiern, aber auch ihre menschliche Zerbrechlichkeit zu offenbaren.

 

Lelio Orsi, Umkreis von
Der auferstandene Christus erscheint der heiligen Maria Magdalena („Noli me tangere“), 1570–1590, Öl auf Leinwand
Aus der Sammlung Foresti, Carpi; seit 1939 in der Galleria dell’Arte (Schenkung). Die Zuschreibung dieses Gemäldes ist seit Langem umstritten. Die aufwendigen und üppigen Gewänder entsprechen Orsis Stil, ebenso wie der steile Felsvorsprung im Hintergrund, der einen Landschaftsausschnitt freigibt, der von einem rötlichen Himmel gekrönt wird, der eher an die Morgendämmerung als an die Abenddämmerung erinnert, wie es das Evangelium beschreibt. Die Ausführung ist jedoch weniger brillant und die Farben matter als bei Orsi, was Kunsthistoriker zu der Annahme veranlasste, dass es einem engen Schüler des emilianischen Meisters zuzuschreiben ist.

Nachfolger von Dossi (Jacopo Bertucci da Faenza?)
Judith mit dem Haupt des Holofernes, um 1555–1570, Öl auf Leinwand
Vor 1787 in den Sammlungen der Este im Herzogspalast. Ein Gemälde dieses Sujets, das Dosso zugeschrieben wird, befand sich 1586–91 in der Kapelle der Herzöge der Este in Ferrara. Dieses Werk stammt von einem Künstler der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts, einem Nachfolger der Brüder Dossi. Als möglicher Künstler wird Jacopone da Faenza (1502–1579) genannt, der mit Dosso und Battista zusammenarbeitete, bevor er sich nach einigen Jahren in Rom um die Jahrhundertmitte dem mittelitalienischen Manierismus zuwandte.

Lelio Orsi Novellara, 1508–1587
Der tote Christus zwischen Nächstenliebe und Gerechtigkeit, um 1570–80, Öl auf Leinwand
Vor 1782 in der herzoglichen Sammlung Modena. Die Ikonografie, die den toten Christus auf einer Steinplatte liegend wie auf einem Altar zeigt, flankiert von den allegorischen Figuren der Nächstenliebe und der Gerechtigkeit, ist typisch für Orsis Vorliebe für ungewöhnliche Sujets. Diese künstlerische Gestaltung und das intellektuelle Thema werden durch die äußerst feine, von Correggio inspirierte Malerei aufgewogen, die die beiden kraftvollen, nach Michelangelos Vorbildern gestalteten Frauenfiguren in ein warmes, goldenes Licht taucht.

 

Lelio Orsi und der Manierismus in der Emilia
Lelio Orsi wurde in Novellara geboren und verbrachte dort einen Großteil seines Lebens. Diese Stadt im Gebiet von Reggio Emilia war das Zentrum eines kleinen Lehens, das von einem Nebenzweig der Gonzaga-Familie aus Mantua regiert wurde. Orsis höchst origineller und exzentrischer Stil wurde von den Fresken Giulio Romanos im nahegelegenen Mantua sowie von den emilianischen Manieristen (Correggio, Parmigianino, Primaticcio) und seinem direkten Kontakt mit Werken Michelangelos und seiner Schule während mehrerer Romreisen beeinflusst. Orsi malte hauptsächlich große, dekorative Freskenzyklen für öffentliche und private Gebäude in Novellara und Reggio Emilia, von denen nur Fragmente erhalten sind. Diese wurden entfernt, als die Herzöge Francesco III. und Francesco IV. sie im 18. und 19. Jahrhundert den Sammlungen der Este hinzufügten. Auch Orsis Altarbilder sind verloren gegangen. Lediglich kleine Leinwandgemälde zeugen noch von seiner Tätigkeit als religiöser Maler und seinem Interesse an ungewöhnlicher, gelehrter Ikonografie. Während seiner Arbeit für die Familie Gonzaga in Novellara und Reggio entwarf er zudem temporäre Bauten, Architektur, Medaillen und Kunstgegenstände. Fast alles, was von dieser vielseitigen Tätigkeit erhalten geblieben ist, sind seine wunderschönen Vorzeichnungen, die bei Sammlern hoch geschätzt werden.

Lelio Orsi, Novellara, 1508–1587
Das Martyrium der Heiligen Katharina von Alexandrien, um 1560–70, Öl auf Leinwand
Aus der Sammlung Augusto Plessi, Vignola; seit 1902 in der Galleria dell’Art (erworben). Dieses kleine Gemälde zeigt den Moment, in dem die Heilige Katharina durch das Eingreifen von Engeln mit Schwertern vor dem Tod gerettet wird. Sie zerschmettern das kunstvolle Folterinstrument, an dem sie gefoltert wird, sodass es auf die Henker stürzt, die sich vergeblich daran festklammern. Das Werk entstand nach Orsis Rom-Besuch 1554/55 und spiegelt seine Erinnerungen an Michelangelos Fresken in der Paulinischen Kapelle wider, was sich besonders in den verdrehten Posen der Peiniger und der diagonalen Dynamik der Szene zeigt. Die dramatischen, ausdrucksstarken Gesten und die theatralische Lichtführung sind typisch für Orsis reife Werke, die die barocke Malerei vorwegzunehmen scheinen.

 

Michele Antonio Grandi, Carrara, 1635–1707
Barockgitarre, Vor 1687, Marmorintarsien
Giovan Battista Casarini (Sorgnano, 1643–Carrara, 1700)
Barockvioline, 1687, Marmorintarsien
Michele Antonio Grandi (?), Carrara, 1635–1707
Blockflöte, Um 1680–1690, Lumachella-Marmor
Aus der Sammlung Francesco II. d’Este. Wie das daneben abgebildete Cembalo wurden auch diese Instrumente geschaffen, um Ehrfurcht zu erwecken und die Leidenschaft für Musik zu entfachen. Sie konnten aber auch wie echte Musikinstrumente gespielt werden. Wir wissen, dass die Gitarre ursprünglich fünf Saitenpaare besaß und regelmäßig am Hof ​​von dem Virtuosen Pietro Bertacchini gespielt wurde. Sie stammen aus der Zeit von Francesco II d'Este und gehören zu einer viel größeren Gruppe ähnlicher Instrumente, die der Herzog in Auftrag gab und die nicht erhalten geblieben sind.

 

Bildhauer des 16. Jahrhunderts
Heilige und profane Liebe, um 1680, Marmor
Aus der Sammlung Francesco II. d’Este. Der griechische Mythos von Eros und Anteros thematisiert die gegenseitige Liebe. In der humanistischen Tradition wurde der Mythos jedoch anders interpretiert und bezog sich auf den Konflikt zwischen spiritueller (heiliger) Liebe und sinnlicher (profaner) Leidenschaft. In der figurativen Kunst wurde der Kampf der beiden Amoretten noch intensiver dargestellt und evozierte vor allem die christliche Tugend der Enthaltsamkeit. Diese barocke Version ist von subtilem Humor geprägt und basiert auf einem berühmten Marmorrelief des flämischen Bildhauers François Duquesnoy, das sich in der Galleria Doria Pamphilj in Rom befindet.

 

Nachfolger von Joachim Beuckelaer, Antwerpen, um 1535–1575
Christus im Hause von Martha und Maria und eine Marktszene, Letztes Viertel des 16. Jahrhunderts, Öl auf Leinwand
Aus der Sammlung des Marquis Giuseppe Campori, Modena; seit 1894 in der Galleria dell'Antwerpen (Schenkung). Dieses Werk, das zwischen sakraler Malerei und Genreszene angesiedelt ist, ist charakteristisch für den flämischen Maler Beuckelaer, der die Hierarchie der Sujets umkehrt. Während eine biblische Episode (Jesus mit Maria von Bethanien) in den Hintergrund tritt, füllt eine üppige Darstellung von Wild, Fisch, Obst und Gemüse die Szene. Das Gemälde nimmt das Stillleben als eigenständiges Genre vorweg, das sich erst ab dem Ende des 16. Jahrhunderts erfolgreich durchsetzen konnte. Ein wichtiger Faktor für seine Entwicklung war der detailreiche, beschreibende Geschmack der nordeuropäischen Malerei, insbesondere der niederländischen.

 

Der Barock: Kirche und Geschichte, Natur und Kunst
Dieser Raum wird von zwei monumentalen Altarbildern von Giulio Cesare Procaccini und Pomarancio dominiert, die die umfangreiche Altarbildreihe der Sammlung abschließen. Wie alle diese Werke erschließen sie sich erst im Kontext ihrer Entstehung. Sie wurden mit einer präzisen liturgischen Funktion geschaffen, ihre Bilder sollten die Gläubigen leiten und unterweisen. Man muss sie sich daher im gedämpften Licht einer Kirche vorstellen, inmitten der Skulpturen und architektonischen Räume, aus denen sie erst spät in ihrer Geschichte entfernt wurden, um zu Kunstwerken in einem Museum zu werden. Wie wir in den vorangegangenen Räumen gesehen haben, war es vor allem Ercole III., der systematisch die besten Gemälde aus den örtlichen Kirchen erwarb und in den Herzogspalast brachte. Dies gilt auch für die beiden anderen prächtigen Altarbilder von Camillo Procaccini, die aus Reggio Emilia stammen. Neben den religiösen Gemälden ist eine Reihe bedeutender Tafelbilder des späten 17. Jahrhunderts zu sehen. Charles Le Bruns zwei Gemälde, die zwei Geschichten über Moses darstellen, spiegeln den strengen Stil des französischen und römischen Klassizismus wider, reich an gelehrten und antiquarischen Bezügen. Im Gegensatz dazu drückt Carlo Cignanis zeitgenössische Flora ein Ideal anmutiger und spontaner Schönheit aus, einen im 18. Jahrhundert populär werdenden Schönheitskanon der Weiblichkeit, der hier durch den außergewöhnlichen Rahmen aus der Emilia-Romagna besonders hervorgehoben wird. Die virtuose Schnitzkunst und die Verwendung kostbarer und edler Materialien zeigen sich auch in den unerwarteten Objekten in den Vitrinen: Grinling Gibbons’ Vanitas-Darstellung, die Korallenwiege und der Schrank aus Bernstein und Elfenbein.

Carlo Cignani, Bologna, 1628 – Forlì, 1719
Flora, um 1680, Öl auf Leinwand
Aus der Sammlung Sampieri, Bologna; danach Sammlung des Bibliothekars der Päpstlichen Universität Bologna; dann Sammlung des Marquis Giuseppe Campori, Modena; seit 1894 in der Galleria (Vermächtnis). Umgeben von Blumen und mit einer sinnlichen, idealisierten Ausstrahlung verkörpert diese junge Flora weibliche Anmut und erinnert an die mythische Region Arkadien. Cignani wendet sich vom eher klassischen Stil seines Meisters Francesco Albani ab und folgt der Lehre Correggios. Er nimmt damit einen Stil und eine Stimmung vorweg, die im 18. Jahrhundert an den europäischen Höfen bis hin zu Künstlerinnen wie Angelika Kaufmann und Élisabeth Vigée Le Brun großen Erfolg haben sollten.

 

Antonio Consetti zugeschrieben, Modena, 1686–1766
Die Pietà mit den Symbolen der Passion, Erste Hälfte des 18. Jahrhunderts, Öl auf Leinwand
Seit 1882 in den Sammlungen Este, Ursprung und Urheberschaft dieses Gemäldes sind unbekannt, es wird jedoch traditionell dem Modeneser Künstler Antonio Consetti zugeschrieben. Das bemerkenswerte Monochrom ist in sanften Graubrauntönen gehalten und imitiert Marmorskulpturen. Die Pose der Jungfrau Maria, die den Leichnam Jesu auf ihrem Schoß hält, ist von Vorbildern inspiriert, die von Annibale Carracci bis zu Michelangelos berühmter Pietà im Vatikan reichen. Auch Nägel, Dornenkrone, Schwamm, Kreuz und Speer sind dargestellt und verweisen auf die Passion Christi.

Grinling Gibbons, Rotterdam, 1648 – London, 1721
Vanitas (Eine Allegorie auf den Tod König Karls II. von England), um 1685, Geschnitztes Lindenholz mit Ahornplatte
Aus der Sammlung von Francesco II. d’Este. Francesco II. d’Este erhielt dieses Meisterwerk der Schnitzkunst von seiner Schwester Maria Beatrice, der Gemahlin Jakobs II. von England und Königin von England. Es ist ein Memento mori („Bedenke, dass du sterben wirst“), das auf den Tod Karls II. von England anspielt. Gibbons gibt mit großer Virtuosität eine Vielzahl von Wild, Muscheln, Gemüse (bis zu 27 botanische Sorten) und eine Partitur von Edward Coleman mit einem Kopf aus einem Theaterstück von James Shirley wieder. Das Medaillon in der Mitte zeigt ein Selbstporträt des Künstlers.

 

Camillo Procaccini, Parma, 1561 – Mailand, 1629
Die Jungfrau mit dem Kind und den Heiligen Vitalis, Hieronymus und Franz von Assisi, 1598–1626, Öl auf Leinwand
Aus der Kirche Santi Girolamo e Vitale, Reggio Emilia; danach Sammlung Ercole III. d’Este (1783). Camillo Procaccini war einer der bedeutendsten Vertreter der lombardischen Malerei um die Wende zum 17. Jahrhundert. Er entstammte einer emilianischen Künstlerfamilie, ebenso wie sein Bruder Giulio Cesare, der das daneben stehende große Altarbild malte. Er ließ sich schließlich in Mailand nieder und schuf feierliche Gemälde, die den Prinzipien der reformierten Kirche entsprachen. Dieses für eine Bruderschaft in Reggio Emilia angefertigte Gemälde zeichnet sich durch eine schlichte Komposition aus, die durch die prachtvollen Gewänder der Heiligen und den Stoff im Hintergrund lebendig wird.

Giulio Cesare Procaccini, Bologna, 1574 – Mailand, 1625
Die Beschneidung Christi mit den Heiligen Ignatius von Loyola und Franz Xaver, 1616, Öl auf Leinwand
Aus der Kirche San Bartolomeo, Modena; danach Sammlung Ercole III. d’Este (1783). Die kolossalen Dimensionen dieses Gemäldes erklären sich durch seine ursprüngliche Funktion als Altarbild auf dem Hauptaltar der Kirche San Bartolomeo in Modena. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts wurde die Kirche von den Jesuiten geleitet, und das ikonografische Sujet des Gemäldes ist typisch für die Gesellschaft Jesu: die Namensgebung Christi während des Beschneidungsrituals. Es ist Giulio Cesare Procaccinis Meisterwerk mit einer dynamischen, wirbelnden Bewegung, die an Rubens und die aufkommende Barockmalerei erinnert.

Camillo Procaccini, Parma, 1561 – Mailand, 1629
Die Anbetung der Heiligen Drei Könige, 1598–1608, Öl auf Leinwand
Aus der Kirche Santi Pietro e Prospero, Reggio Emilia; danach Sammlung Ercole III. d’Este (1783). 1598 beauftragte die Kaufmannskammer von Reggio Emilia Camillo Procaccini mit der Anfertigung dieses Altarbildes für die prächtige, kurz zuvor erbaute Basilika von Ghiara. Da er jedoch zu lange für sein Werk benötigte, ging der Auftrag an einen seiner Rivalen, Palma il Giovane. Diese Version von Procaccini, in der der glitzernde Trauerzug der Heiligen Drei Könige aus einer fantastischen Ferne erscheint, wurde von der Familie Squadroni für ihren Altar in der Kirche Santi Pietro e Prospero erworben.

 

Biblioteca Poletti

 

Die auf Kunst und Architektur spezialisierte Bibliothek befindet sich im historischen Palazzo dei Musei im Stadtzentrum. Sie bietet Platz für etwa 40 Personen und beherbergt eine reichhaltige und vielfältige Sammlung von der Antike bis zur Moderne.

Eröffnet wurde sie 1872 dank des Vermächtnisses des in Modena geborenen Architekten und Ingenieurs Luigi Poletti (1792–1869), der seine Privatbibliothek und sein berufliches Archiv der Stadt vermachte. Sie war Modenas erste städtische Bibliothek und feierte 2022 ihr 150-jähriges Bestehen.

 

Im Laufe der Jahre trugen weitere Vermächtnisse, Schenkungen und Leihgaben – allen voran die Sammlung von Kunstbüchern, Drucken und Zeichnungen des Marquis Giuseppe Campori – zur Bereicherung der historischen Sammlung bei. Vor allem aber prägten die Strategien der Institution zur modernen und zeitgemäßen Weiterentwicklung ihrer Sammlungen ihre Entwicklung.

In Fortführung der von ihrem Gründer eingeschlagenen Richtung hat die Bibliothek in den vergangenen zwei Jahrzehnten zahlreiche Dokumentensammlungen, darunter neun professionelle Archive von Architekten des 20. Jahrhunderts, die entweder in Modena geboren wurden oder in irgendeiner Weise mit der Stadtentwicklung verbunden waren, aufgenommen und gefördert. Sie hat eine Sondersammlung für Künstlerbücher eingerichtet und einen eigenen Bereich für Street Art und Literatur geschaffen.

 

Heute gilt sie als anerkannte Referenz für Studium, Lehre und Forschung in den Bereichen Bildende Kunst, Architektur und Stadtgeschichte.

 

Katalanische Karte, 1450–60, Pergament, Ø 113 cm
Die katalanische Karte ist eine der bekanntesten Karten der Biblioteca Estense Universitaria und gilt allgemein als eines der raffiniertesten präkolumbischen kartografischen Dokumente. Als einzigartiges Produkt der katalanischen und mallorquinischen Geografieschule zeigt sie die damals bekannte Welt, unterteilt in die drei Kontinente Europa, Asien und Afrika. Wie zeitgenössische runde Weltkarten (mappae mundi) scheint sie nicht für die Navigation, sondern eher für den privaten Gebrauch bestimmt gewesen zu sein, wie die reichhaltigen Illustrationen für ein gebildetes und wohlhabendes Publikum belegen.

Auf der katalanischen Karte werden die für Seekarten typischen Darstellungstechniken durch topografische Informationen ergänzt, die auf den iberischen Erkundungen entlang der afrikanischen Küste und der Atlantikinseln basieren. Die wissenschaftlichen Aspekte werden durch ein lebendiges ikonografisches Repertoire ergänzt, das von religiöser Literatur, Reiseberichten und der klassischen Mythologie inspiriert ist. Dies belegen die zahlreichen Miniaturen mit über 50 Legenden in Katalanisch (mit seltenen Ausnahmen in Latein für die Kanarischen Inseln und in Portugiesisch für einige afrikanische Ortsnamen).

Zu den bedeutendsten Darstellungen zählen in Afrika die Teilung des Roten Meeres, die Herrscher vor ihren Zelten und das Diamantgebirge, das das irdische Paradies bewacht. In Asien sehen wir das Grab des Großkhans, die Tatarenkarawane im Ural und die Trompeter Alexanders des Großen, die die Grenzen des Reiches von Gog und Magog markieren.

Die katalanische Karte wurde aus einem einzigen Kalbsleder von außergewöhnlicher Feinheit und Weichheit gefertigt und bot somit eine ideale Oberfläche für die Farben der Miniaturen. Die Karte verblieb bis zur Einigung Italiens im Besitz der Familie Este, ging jedoch nach dem Exil von Franz V. von Österreich-Este (1859) verloren. Das Objekt wurde vom Sammler Giuseppe Boni aus Modena wiedergefunden und im April 1870 zusammen mit acht weiteren Gegenständen an die Bibliothek zurückgegeben.

 

Willem Janszoon Blaeu (Guilielmus Jansonius Blavius)
Erdglobus, Himmelsglobus, Amsterdam, zwischen 1628 und 1638
Kugel aus Pappmaché, Gips, stichelbedrucktem Papier und polychromen Farben; Holzgestell. Modena, Biblioteca Estense Universitaria

Willem Blaeu war ein bekannter Kartograf und Hersteller astronomischer Instrumente. Er war ein Schüler des dänischen Astronomen Tycho Brahe (1546–1601). Blaeu, geboren 1571, eröffnete 1598 eine kartografische Werkstatt in Amsterdam und fertigte kurz darauf seinen ersten Himmelsglobus an. 1599 folgte ein Erdglobus. 1603 aktualisierte Blaeu den Himmelsglobus mit der Entdeckung der neuen südlichen Sternbilder. Die Estense-Globen gehören zu den Nachdrucken der Originalstiche und können zwischen 1628, dem auf der Landkarte angegebenen Datum der Entdeckung Tasmaniens, und 1638, dem Todesjahr Blaeus, datiert werden.

 

Museo Civico di Modena: Körper und Seele - Religiöse Kunst
Der große Ausstellungsraum, der von Antonio Begarellis berühmter Madonna di Piazza dominiert wird, wurde Anfang des 20. Jahrhunderts der religiösen Kunst gewidmet. Zu sehen sind Gemälde, Skulpturen, Goldarbeiten und liturgische Dekorationen, die die figurative Kunstproduktion in Modena und Umgebung vom Mittelalter bis zum 18. Jahrhundert dokumentieren. Es handelt sich größtenteils um Objekte, die zum alten kulturellen und künstlerischen Erbe der Stadt gehören und in den ersten Jahrzehnten nach der Gründung des Museums in dessen Sammlungen aufgenommen wurden. Besonders hervorzuheben unter den ältesten Stücken sind die liturgischen Goldarbeiten aus der Abtei Frassinoro, die von Matilde di Canossas Mutter Beatrice gegründet wurde, ein Weihwasserbecken aus Wiligelm und ein Kapitell der Maestri Campionesi aus dem 12. Jahrhundert, Fragmente von Fresken aus dem 13. und 14. Jahrhundert aus der Kathedrale sowie ein Cymatium eines Triptychons von Tomaso da Modena um 1345. Zu den herausragenden Werken der Renaissance zählen der „Cristo crocifisso“ und die „Testa di angelo“ von Antonio Begarelli sowie ein Altarbild von Gian Gherardo Dalle Catene. Die Entwicklung der Malerei im Herzogtum des Hauses Este im 17. und 18. Jahrhundert wird in Gemälden von Francesco Stringa, Sigismondo Caula, Antonio Consetti und Giacomo Zoboli veranschaulicht.

Von besonderem Interesse sind die Beispiele künstlerischen Handwerks, die Zeiten und Orte aus den lokalen Traditionen repräsentieren, wie etwa Gravuren, Rahmenvergoldungen und die Kunst der Scagliola.

 

Antonio Begarelli (Modena, 1499–1565)
Madonna mit Kind und dem Johannesknaben, bekannt als Madonna della Piazza, 1523, Terrakotta
Die von der Stadtgemeinschaft in Auftrag gegebene Figurengruppe befand sich ursprünglich in einer Nische an der Fassade des Rathauses, rechts vom Glockenturm. 1798 ordnete ein Dekret des Cisalpinen Direktoriums über Sakralbilder ihre Entfernung und Überführung in die Akademie der Schönen Künste an. Nach ihrer Restaurierung wurde die Madonna della Piazza in der Sakristei der Votivkirche aufgestellt und schließlich 1872 in das Stadtmuseum verlegt.

Nicolò dell'Abate (Modena 1509?-Fontainebleau? 1571)
Heiliger Geminianus, 1533-1538
Von der Fassade der Beccherie in Modena gelöstes Fresko. Depot der Galleria Estense in Modena

 

 

Giuseppe Obici, (Spilamberto 1807-Rom 1878)
Orpheus, 1835-36, Gips

 

Terrakotta, Leder, Dekorpapiere, Gewichte und Maße
Die Ausstellungshalle beherbergte schon immer heterogene Sammlungen und ist heute einer der Orte, an denen die Rolle des Museums als Aufbewahrungsort für Beispiele von Handwerk und Industrie besonders deutlich wird.
Die Terrakotta-Sammlung dokumentiert einen wichtigen Aspekt der gotischen und Renaissance-Architektur der Po-Ebene und umfasst Objekte wie Rahmen, Kapitelle, Friesfragmente, bedruckte Ziegel und Flachreliefs aus der Stadt und ihrer Umgebung. Auch bemalte Tafeln mit Darstellungen berühmter Frauen und ornamentalen Motiven sind zu sehen, die traditionell zur Verzierung von Balken und Decken in den Häusern und Herrenhäusern der Stadt dienten. Die Sammlung geprägter, bemalter und vergoldeter Leder dokumentiert die vielfältigen Verwendungsmöglichkeiten von Leder für Möbel und Bucheinbände im 16. und 17. Jahrhundert.

Neben verschiedenen Einbänden und Etuis bietet die Sammlung auch Tapisserien und Antependien mit unterschiedlichen ornamentalen Gestaltungselementen: Vergoldungen, Lochungen, geprägte Ölgemälde, gedruckte einfarbige Dekormuster und Golddruck. Die Sammlung dekorativer Papiere wurde von Graf Luigi Alberto Gandini gestiftet und besteht größtenteils aus Buchdeckeln und Vorsatzblättern von Taschenbüchern. Die Papiere stammen vom späten 17. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts von italienischen und deutschen Herstellern und dokumentieren verschiedene Produktions- und Dekorationstechniken, von der Prägung über den Holzschnitt bis hin zur Marmorierung. Ebenfalls ausgestellt ist die Sammlung antiker Gewichte und Maße aus dem 18. und 19. Jahrhundert aus dem Archivio Segreto della Comunità (Geheimarchiv der Gemeinde) und dem Ufficio della Bona Opinoine (Amt der Guten Meinung), das für die regelmäßige Überprüfung und Stempelung der im Herzogtum Este verwendeten Gewichte und Maße zuständig war. Darüber hinaus gibt es verschiedene Serien von Glasgewichten, Geldwaagen und Hebelwaagen.

 

Instrumente des Wissens - Wissenschaftliche Instrumente
Die Sammlung geht auf die positivistische Kultur des ersten Direktors Carlo Boni und sein Verständnis von Museen als Werkstätten fortschrittlicher Erfahrungen zurück, verbunden mit seinem Wunsch, antike Instrumente zu sammeln, die die verschiedenen Phasen des wissenschaftlichen Fortschritts veranschaulichen sollten.
Ein wesentlicher Bestandteil davon war die Ankunft von Maschinen, Geräten und Instrumenten aus dem 18. und 19. Jahrhundert, die größtenteils aus dem Physikkabinett der Universität Modena stammten. Insgesamt dokumentiert die Sammlung das Interesse, das bedeutende Wissenschaftler und Handwerker der Stadt sowohl an der Spitzenforschung als auch an ihren praktischen Anwendungen zeigten.

Die Ausstellung ist nach wissenschaftlichen Disziplinen gegliedert: Astronomie, Elektromagnetik, Hydraulik, Optik und Mechanik. Zu den interessantesten Exponaten zählen Giovanni Maccars Armillarsphären, Alessandro Voltas Laternenanzünder, Giovan Battista Amicis Spiegelmikroskop, die von Giuseppe Zamboni entworfene „ewige“ Uhr, Matteo Greuters Erd- und Himmelsgloben sowie die von Bruder Agostino Arleri im Universitätslabor konstruierten Maschinen. Besonders hervorzuheben ist auch eine Auswahl an Maschinenmodellen des Istituto dei Cadetti Matematici Pionieri, das 1823 von Herzog Franz IV. gegründet wurde.

 

Die Kunst des Tischdeckens - Keramik und Glaskunst
Der Saal präsentiert Keramik aus der Region, die nicht nur bei Ausgrabungen und Restaurierungen entdeckt oder auf dem Markt erhältlich war, sondern auch aus bedeutenden Schenkungen stammt, welche insbesondere die Majolika-Sammlung bereicherten. Eine Gruppe geätzter Keramik (Schalen, kleine Teller, Flaschen, Becher) dokumentiert die Produktion der Modener Werkstätten vom Ende des 15. bis zum Ende des 18. Jahrhunderts; daneben ist eine Auswahl italienischer Majolika aus dem 15. und 18. Jahrhundert zu sehen, deren Herkunft auf Manufakturen in Faenza, Venetien, der Lombardei, Ligurien und Umbrien zurückgeführt werden kann.

Formen und Dekormotive der Keramikproduktion des Herzogtums Este von der Mitte des 18. bis zum Ende des 19. Jahrhunderts werden durch eine Gruppe von Majolika- und Steinzeugwaren repräsentiert, die von den Manufakturen in Sassuolo hergestellt wurden: Dallari (1756–1835), Ferrari Moreni (1836–1853) und Rubbiani (1853–1911). Unter den mundgeblasenen und geschliffenen Glaswaren der Sammlung befindet sich eine Kerngruppe venezianischer und Murano-Stücke aus dem 16. bis frühen 18. Jahrhundert, von denen einige aus dem Physikalischen Kabinett der Universität Modena stammen. Eine Gruppe von Krügen, Gläsern, Fläschchen und Flaschen zur Aufbewahrung von Balsamico-Essig repräsentiert Glas, das im 18. und 19. Jahrhundert in Modena hergestellt wurde und dem in anderen Teilen Europas produzierten Glas ähnelte.

 

Die Töpferei Ferrari Moreni in Sassuolo
Die politische Unsicherheit des frühen 19. Jahrhunderts hatte erhebliche Auswirkungen auf die Keramikindustrie von Sassuolo. Die Familie Dallari verteidigte ihre Position vehement, doch die Qualität der Produkte ließ zu wünschen übrig. 1836 übernahm Graf Ferrari Moreni eine der Dallari-Manufakturen und baute nach anfänglichen Schwierigkeiten ein florierendes Geschäft auf, das neben der üblichen Produktion von Koch- und Essgeschirr auch Steingut im „englischen Stil“ herstellte.

Die sehr helle Farbe dieser Mischung, die einen würdigen Ersatz für teures Porzellan darstellte, nutzte der Graf gekonnt, ebenso wie ein zurückhaltendes Dekorrepertoire und klassische Designs. Der altmodische Stil, der das Ess- und Ziergeschirr prägt, verkörpert die bürgerliche Vorstellung von Zurückhaltung und Mäßigung, die das Herzogtum in der österreichisch-estenischen Ära kennzeichnete.

 

Sassuolo, Manufaktur Ferrari Moreni
Zwei statuenförmige Zahnstocherhalter, 1836–1854, Bemaltes und glasiertes Steingut

 

Venedig, Manufaktur Cozzi
Zwei Untertassen und eine Tasse mit dem Wappen von Tiburzio Cortese, Bischof von Modena, 1786–1799, Bemaltes Porzellan

 

Eisen und Feuer - Waffen und Reitausrüstung
Die Schenkung des Marquis Paolo Coccapani Imperiali (1898) umfasst nahezu die gesamte Waffensammlung. Sie beinhaltet Feuerwaffen, Stichwaffen und Stangenwaffen, die überwiegend europäischen Ursprungs sind und aus dem 15. bis 19. Jahrhundert stammen. Einige Beispiele zeugen vom Können der Handwerker, die vom 16. bis zum 19. Jahrhundert im Herzogtum Este tätig waren, wie beispielsweise Pietro Boentti, Giuseppe Bonfatti, Rinaldo Cavicchioli und Antonio Apparuti, der auch für seinen Instrumentenbau bekannt war. Die einzigartige Sammlung von Gebissen, Zaumzeugen und Sporen aus dem 15. bis 19. Jahrhundert (ehemals im Besitz von Francesco Petermayer, Reitlehrer in den herzoglichen Ställen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts) präsentiert eine große Vielfalt an Typen und Varianten. Im Zentrum des Raumes befindet sich der von dem Kupferstecher Antonio Luigi Buttero gefertigte Sulky. Die prachtvollen Gravuren mit neoklassizistischen Motiven und die vorhandene Plattform für den Stallknecht lassen vermuten, dass dieser Sulky für Spaziergänge oder repräsentative Zwecke genutzt wurde.

Antonio Luigi del Buttero (S. Secondo di Parma 1765–Reggio Emilia 1853)
Einsitzige Chaiselongue
Buchen- und Nussbaumholz (Schnitzereien), Temperamalerei und Vergoldung, vergoldete Bronze, Leder, Erworben 1890

 

Bezaubernde Webarten - Die Textilkollektion von Gandini

 

Giovanni Cappelli (Modena 1814-1885)
Dankbarkeit, Marmor, Depot der Galleria Estense, 1937

 

Alessandro Cavazza (Modena 1824 - Reggio Emilia 1873)
Hagar und Ismael, 1873, Gips, Schenkung von Maria Valcavi, 1906

 

Giovanni Cappelli (Modena 1814-1885)
Die Sklavin, Marmor, Nachlass von Giovanni Cappelli, 1885

 

Bezaubernde Webarten - Die Textilkollektion von Gandini

 

300.000 Jahre Geschichte - Archäologie der Stadt und ihrer Umgebung
Die Gründung des Archäologischen Museums, das die ursprüngliche Sammlung des Museo Civico von Modena beherbergt, ist eng mit der intensiven kulturwissenschaftlichen Debatte um den Evolutionismus und die Anerkennung der Vorgeschichte als offizielle Wissenschaft verbunden. Das 1871 von Carlo Boni gegründete Museum wurde errichtet, um die Tausenden prähistorischen Funde zu beherbergen, die bei den archäologischen Ausgrabungen rund um Modena unter der Leitung von Giovanni Canestrini, dem führenden Vertreter des Darwinismus in Italien, und später von Boni selbst, Francesco Coppi und Arsenio Crespellani zutage gefördert wurden. Letzterer, Bonis Nachfolger als Museumsdirektor, legte besonderen Wert auf den territorialen Kontext, wie seine archäologischen Karten der Stadt und des Umlands von Modena sowie seine zahlreichen Publikationen zu den vielen Ausgrabungen in der gesamten Provinz belegen.

Die Sammlungen aus dem 19. Jahrhundert wurden um eine Reihe von Objekten erweitert, die das Ergebnis der wegweisenden Forschungen des Modeneser Archäologen Fernando Malavolti zum Neolithikum und Äneolithikum sowie der neuesten Funde aus Ausgrabungen in und um die Stadt, gewonnen durch die Zusammenarbeit mit der Archäologischen Aufsichtsbehörde, sind. Die heutige Ausstellung ist das Ergebnis eines in den 1990er Jahren abgeschlossenen Projekts, das auf der von Boni und Crespellani verwendeten chronologischen und topografischen Ordnung basiert und anhand der neuesten archäologischen Forschung aktualisiert wurde.

Die hufeisenförmig angeordneten Vitrinen erzählen 300.000 Jahre Stadtgeschichte und erzählen anhand Tausender Funde die Geschichte der Region: von Steinwerkzeugen des Paläolithikums bis hin zu frühen Keramikarbeiten des Neolithikums. von den kunstvollen Bronzegegenständen der Terramare-Zivilisationen bis zu den Villanovan-Gräbern und von der etruskischen Nekropole von Galassina bis zu den filigranen Gebrauchsgegenständen der Domus von Mutina, bis hin zu den Grabbeigaben aus langobardischen Gräbern.

 

Modena, Viale Ciro Menotti, Via Bellini, Spätantike Nekropole, 4.–6. Jahrhundert n. Chr.
In der 2009 jenseits der östlichen Stadtmauern von Modena entdeckten Nekropole wurden zwölf Gräber ausgegraben, sechs davon gehörten Männern, die an Schwertverletzungen starben. Das Grab der beiden gleichzeitig bestatteten Männer ist bis auf einen Bronzering am Finger des rechten Leichnams leer. Ein Eisenring in der Nähe des linken Schienbeins gehörte vermutlich zu Schuhwerk oder Kleidung. Anthropologische Analysen ergaben, dass sie etwa 30 Jahre alt waren. Dank einer neuen Technik, die auf der Analyse eines im Zahnschmelz vorkommenden Proteins basiert, konnten Forscher der Universitäten Bologna und Modena sowie Reggio Emilia feststellen, dass es sich bei beiden um Männer handelte.

 

Formigine, Steinbruch Gazzuoli. Bestattung der Kultur der quadratischen Vase, „Mäanderspiral“-Stil. 4500–4200 v. Chr.
Im Jahr 2005 wurden in den Grubengräbern der Gazzuoli-Steinbrüche in Formigine zwei Einzelgräber entdeckt. Jedes enthielt eine erwachsene Person, die, einem in der Kultur der quadratischen Vase der Po-Ebene verbreiteten Ritual entsprechend, auf der linken Seite zusammengerollt und in Ost-West-Richtung bestattet war. Einem der Verstorbenen lag ein zylindrisches Ornament aus einem Exemplar von Spondylus gaederopus bei, das unterhalb des linken Ellbogens platziert war. Die Person wurde als erwachsener Mann im Alter zwischen 40 und 50 Jahren identifiziert. Das Geschlecht wurde anhand einiger charakteristischer Merkmale des Beckens und des Schädels bestimmt. Das Alter wurde anhand der allgemeinen Skelettentwicklung, des Zahnabriebs und des Grades der Verknöcherung der Schädelnähte ermittelt.

 

Die Idee des Museums - Von der bürgerlichen Dimension zur europäischen Perspektive
Als Schnittpunkt der künstlerischen, archäologischen und ethnologischen Sammlungen zeichnet dieser Raum die Entwicklung des Museums von seiner Gründung 1871 bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts nach. In dieser Zeit prägte die Institution ihren besonderen Charakter, der sich noch heute in ihrem Rundgang und ihrer Ausstattung widerspiegelt. Die Vielfalt der Sammlungen eint ein gemeinsames Merkmal: die bürgerliche Leidenschaft einer aufgeklärten Mittelschicht, die in den Jahren nach der Einigung des Landes die Gründung eines Museums förderte, um die Zerstreuung des lokalen archäologischen, historischen und künstlerischen Erbes zu verhindern. Durch Schenkungen und Vermächtnisse vertraute sie dem Museum ihr eigenes Erbe und das Erbe ihrer Epoche an – einer Epoche, die offen für die Entwicklung von Wissenschaft, Kunst und Industrie war, im Namen des weitverbreiteten Vertrauens in den Fortschritt der Menschheit.

Die Heterogenität des Museums ist das Ergebnis eines organischen Konzepts, das sein Gründer und erster Direktor, Carlo Boni, bereits in den Anfangsjahren der Institution entwarf. Er betonte die Notwendigkeit eines Museums, das „alles beherbergen und bewahren sollte, was für die gesamte Bevölkerung von Interesse sein könnte“. Arsenio Crespellani und Luigi Alberto Gandini, die Direktoren vom Ende des 19. bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts, führten Bonis Werk fort und erweiterten das kulturelle Erbe erheblich. So erhielt das Museum eine unverwechselbare Erscheinungsbild, die die Entscheidungen seiner Direktoren und allgemein die Atmosphäre der Epoche widerspiegelte, nicht zuletzt dank zahlreicher Kooperationen mit der Welt der großen internationalen Ausstellungen. An den Wänden hängt eine Auswahl der ersten Gemälde, die dank einer Schenkung des Marquis Giuseppe Campori und des 1870 von der Stadt ins Leben gerufenen Poletti-Wettbewerbs zur Förderung junger Künstler in die Sammlungen des Museums gelangten. Dieser Wettbewerb folgte dem Vermächtnis des Architekten Luigi Poletti aus Modena. Von besonderem Interesse ist die Landschaftsgestaltung der Villa delle Pentetorri aus dem 19. Jahrhundert, die 1944 bei einem Bombenangriff zerstört wurde.

 

Tommaso Rinaldi - Denkmal für Benvenuto Cellini, 1862, Verflüssigtes, geprägtes und ziseliertes Silber
Dieses Werk, das als Tommaso Rinaldis Meisterwerk gilt, ist ein Prunkstück, das Benvenuto Cellini, dem italienischen Goldschmied schlechthin, gewidmet ist. Es wurde 1862 auf der Weltausstellung in London präsentiert. Der obere Teil zeigt eine Statue Cellinis, der Sockel stellt vier Episoden aus dem Leben des Künstlers dar, und die Ecksäulen zeigen Figuren, die die Embleme der Künste verkörpern.

 

Vincenzo Rosa (Palazzolo, Brescia 1750 – Pavia 1818)
Erdglobus, Gips und Holz, 1793
Vincenzo Rosa war Lehrer, Astronom, Miniaturist, Erfinder, Geograph, Naturforscher, Präparator, Chemiker und Physiker. Als Gelehrter und bedeutender Popularisierer verkörperte er den Geist der Aufklärung seiner Zeit. Nach seinem Studium in Brescia wurde er Rektor des Collegio dell'Annunziata auf dem Monte Orfano bei Rovato (BS) und anschließend bis 1787 Professor für Geographie und Rhetorik am Collège der Somaschi-Patres. Danach wurde er zum Kurator des Naturhistorischen Museums der Universität Pavia ernannt, eine Position, die er bis zu seinem Tod 1818 innehatte. 1788 erhielt er den Auftrag, drei große Globen zu fertigen: „… Ich übernahm die Aufgabe, drei große geographische Globen für die Universität Pavia herzustellen, einen für das Naturhistorische Museum, einen für die Bibliothek und einen für das Physikkabinett …“

Der große, graduierte Meridiankreis ist aus Eisen gefertigt, während der Ständer, den der Autor selbst als „Horizont“ bezeichnet, aus Nussbaumholz besteht, an den Verbindungsstellen verstärkt ist und einem achteckigen Tisch nachempfunden ist, mit vier Beinen, die an den vier Himmelsrichtungen positioniert sind. Der Horizont trägt die Graduierungen, die Namen der Winde und die Entsprechungen zwischen den Tierkreiszeichen und -graden sowie den Monaten und Tagen des Jahres. Das Innere der Kugel besteht aus einem Holzgerüst, das mit Pappe bespannt und anschließend mit mehreren Schichten Gips, vermischt mit Leim, überzogen und glattgestrichen wurde, bis es perfekt rund war. Zur Darstellung der Geografie verwendete Vincenzo Rosa keine Papierspindeln, sondern zeichnete direkt auf die Kreidefläche und kopierte dabei die fünf großen Karten von Vaugondy und Delamarche, die 1786 in Paris gedruckt worden waren. Der Globus gelangte 1889 zusammen mit anderen wissenschaftlichen Instrumenten als Leihgabe des Physikalischen Kabinetts der Universität Modena in die Sammlung des Stadtmuseums.

 

Reise ans Ende der Welt - Neuguinea
In diesem Raum befinden sich außergewöhnlich kunstvoll gefertigte Objekte, die Einblicke in den Alltag der Bevölkerung Neuguineas, der großen Insel des melanesischen Archipels nördlich von Australien, geben. Sie wurden 1889/90 von dem Ethnologen Lamberto Loria während einer der ersten Forschungsexpeditionen in dieser Region gesammelt.

Dank der präzisen Inventarlisten und der von Loria in Briefen übermittelten Informationen konnte die Reiseroute der Expedition in der Ausstellung rekonstruiert werden. Die während dieser Reise angetroffenen Bevölkerungsgruppen lebten an der Küste oder in den Hügeln im südöstlichsten Teil der Insel und im angrenzenden Archipel.

Der Vergleich der Objekte aus verschiedenen Dörfern verdeutlicht die Besonderheiten der einzelnen Gruppen und unterstreicht gleichzeitig die Homogenität ihrer materiellen Kultur: von Kleidung aus Rindenbast bis hin zu Federschmuck; von Waffen für Jagd, Fischfang und Krieg bis hin zu Trommeln und Schilden für Tänze und den kunstvollen Schnitzereien an den Wasserfahrzeugen.

 

Aus dem Land der Inkas - Präkolumbisches Peru
Der Großteil der in diesem Abschnitt ausgestellten Objekte wurde von den beiden Modenesern Antonio Boccolari und Paolo Parenti während einer Weltreise an Bord der Korvette Vettor Pisani (1882–1885) gesammelt und später dem Museum geschenkt. Diese Sammlung, zusammen mit einem Kernbestand an Objekten aus dem 19. Jahrhundert, die vom Modeneser Astronomen Pietro Tacchini gestiftet wurden, und einer späteren Erwerbung (Sammlung Fantin), dokumentiert Aspekte der Prä-Inka- und Inka-Kulturen der peruanischen Küste in der präkolumbischen Zeit.

Die Sammlungen, die den Ausgrabungen und Forschungen des späten 19. Jahrhunderts in präkolumbischen Nekropolen in Peru gewidmet sind, ermöglichen es, die ethnologische und die archäologische Bedeutung der Funde zu verknüpfen, vor allem dank der Keramik und der reichen Textilfunde. Letztere bieten insbesondere einen beredten Einblick in die Meisterschaft der Andenvölker, die durch die Verwendung von Baumwolle und Wolle von Alpakas oder Lamas Kleidungsstücke herstellten, die den sozialen Status, die Zugehörigkeit zu einer bestimmten ethnischen Gruppe und die wichtigsten Meilensteine ​​im Leben kennzeichneten: Pubertät, Heirat und Tod.

 

Geschichten ferner Völker
Südamerika: Die Sammlung besteht aus drei Kernbeständen mit Material aus dem 19. Jahrhundert.
Zwei Sammlungen stechen besonders hervor: die prächtige antike Sammlung von Federschmuck der Mundurucu und Indios des oberen Rio-Negro-Beckens, die in den 1840er Jahren von dem Arzt Luigi Bompani aus Modena begründet wurde, und ein kürzlich erworbener Kernbestand an Material der Yanomami-Indios. Der Federschmuck zeugt von einer Kunstform, die einst in verschiedenen Regionen Südamerikas weit verbreitet war, heute aber fast vollständig in Vergessenheit geraten ist.

Afrika: Die in den Vitrinen zu Afrika ausgestellten Objekte stammen teils aus dem Kongobecken und lassen sich den Expeditionen zuordnen, die ab Mitte des 19. Jahrhunderts in den äquatorialen Regionen Afrikas stattfanden, teils vom Horn von Afrika und spiegeln das italienische Kolonialengagement in diesen Ländern am Ende des letzten Jahrhunderts wider. Von besonderem Interesse sind die Gemälde des Modeneser Malers Augusto Valli, der seine erste Reise nach Afrika im Alter von noch nicht einmal achtzehn Jahren, kurz vor der italienischen Besetzung von Massaua, unternahm. Valli schuf auf kleinen Holztafeln eine Reihe lebhafter Skizzen, die Orte und Ereignisse im Zusammenhang mit der italienischen Präsenz in Afrika Ende des 19. Jahrhunderts darstellten.

Asien: Die Sammlung asiatischer Objekte ist das Ergebnis sporadischer Erwerbungen und Schenkungen von Modeneser Bürgern, die den Kontinent Ende des 19. Jahrhunderts aus kommerziellen oder politischen Gründen bereisten. Nach der Eröffnung des Suezkanals am 17. November 1869 erschloss sich Italien, angelockt von den landwirtschaftlichen, industriellen und mineralischen Ressourcen Asiens, erfolgreich die Handelsrouten nach Indien, Burma (dem heutigen Myanmar) und Japan. Dieses Material spiegelt daher weniger ein spezifisches ethnografisches Interesse wider als vielmehr die Neugierde der Reisenden auf seltene und exotische Objekte. In der Vitrine befindet sich eine Sammlung burmesischer Lackwaren, einige indische Manuskripte und mehrere Beispiele japanischer Handwerkskunst: Keramik, Porzellan und Bronzegegenstände, die alle eigens für den Export in den Westen hergestellt wurden.

 

Ein geborener Sammler - Die Galerie des Marquis Matteo Campori
Der Raum beherbergt eine bedeutende Auswahl an Werken aus der Galerie des Marquis Matteo Campori, die sich ursprünglich im Familienpalast in der Via Ganaceto befand.

„Man wird als Sammler geboren wie als Dichter.“ Für den Marquis entspringt die Sammelleidenschaft einer alten Familientradition, die auf Kardinal Pietro Campori zurückgeht und durch das Beispiel seines Onkels Giuseppe bestärkt wird, der einige Jahrzehnte zuvor einen Großteil der Sammlungen der Stadt geschenkt hatte. Matteo wird zum Sammler, angetrieben von dem Wunsch, „auf den wenigen, aber kostbaren Überresten dieser grandiosen Sammlungen eine neue Sammlung von Objekten aufzubauen, die ein kleines, aber bedeutendes Museum bilden sollte.“ Der Palast wurde erweitert, und 1925 wurde die neue Galerie mit Gemälden, Skulpturen, Drucken, Zeichnungen, Keramiken, Textilien und Möbeln eröffnet. 1929 wurde die Sammlung der Stadt Modena geschenkt, doch ein Teil ging bei der Bombardierung des Palastes 1944 und in einem anschließenden Rechtsstreit der Erben mit der Stadt verloren.

Der hier vorgeschlagene, nach Genres gegliederte Ausstellungsrundgang folgt der von Matteo Campori in seiner Galerie gewünschten Ordnung. Sein Ziel war es, „ein Museum zu schaffen, das an die Fantasie und die Freude am Eintauchen in die Welt der Vergangenheit glaubt“. Dieser Raum soll Zeugnis ablegen und die Erinnerung an diese Sammlung bewahren. Einen wichtigen Beitrag zur Erforschung der Campori-Sammlung leisteten Daniele Benati und Lucia Peruzzi.

 

Stillleben und Genreszenen mit Darstellungen aus dem Leben der ärmsten Bevölkerungsschichten waren im 17. Jahrhundert sehr beliebt, obwohl sie im Vergleich zur Malerei religiöser, historischer oder mythologischer Sujets als „Nebengattungen“ galten. Die Pfirsichverkäufer von Giacomo Francesco Cipper, bekannt als „Der Todeschini“, zählen zu den ausdrucksstärksten Werken dieses Künstlers, der zwischen dem späten 17. und dem frühen 18. Jahrhundert in der Lombardei wirkte. Das Stilllebenfragment ist besonders wirkungsvoll, während die Figuren aus dem Repertoire an Bildern des einfachen Lebens stammen, das in Cippers Werk als Vorwand für eine karikaturhafte und mitunter sogar grobe Darstellung dient. Einem weiteren Protagonisten der lombardischen Malerei des 18. Jahrhunderts, Giacomo Ceruti, verdanken wir das Gemälde „Der kleine Träger". Darin verkörpert der saubere, lächelnde Junge in seinen Lumpen Cerutis Haltung gegenüber der Realität der einfachen und mittellosen Menschen, denen er mit Mitgefühl und menschlicher Anteilnahme begegnet.

Das Gemälde der Boccia-Spieler, das eine Partie zwischen Arbeitern zeigt, die möglicherweise im Dienst des im Hintergrund dargestellten Adelsgemachs stehen, besticht durch seine realistischen Porträts und Kostümdetails. Es wird Almanach zugeschrieben, einem Künstler, der 1689 in Slowenien nachweisbar war und in der Lombardei wirkte. Obwohl die Urheberschaft des Gemäldes weiterhin ungeklärt ist, gilt es als eines der Werke, die zur Entwicklung von Giacomo Cerutis Ideen beitrugen. Das Stillleben mit Früchten, Geschirr und einer Schachtel „feiner Pralinen“, das sich durch einen weichen und intensiven Naturalismus auszeichnet, wird Agostino Stringa zugeschrieben, dem Bruder des bekannteren Francesco Stringa, einem Künstler, dessen Tätigkeit im Genre des Stilllebens in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts dokumentiert ist.

Oben links: Giacomo Francesco Cipper, genannt Todeschini (Feldrick 1664 – Mailand 1736)
Pfirsichverkäufer, Öl auf Leinwand
Links: Giacomo Ceruti (Mailand 1698–1767)
Der kleine Träger nach 1730, Öl auf Leinwand
Oben rechts: Almanach (?) (1689 in Slowenien urkundlich erwähnt)
Boccia-Spieler, um 1670–1680, Öl auf Leinwand
Rechts: Agostino Stringa (Modena 1641–1699)
Stillleben mit Früchten, Geschirr und einer Schachtel „feiner Pralinen", Öl auf Leinwand

 

Eine Schenkung des kultivierten Sammlers Carlo Sernicoli
Dieser Raum beherbergt Gemälde und Silberwaren des Buchhalters Carlo Sernicoli (Modena, 1938–2007), die 2008 testamentarisch der Stadt Modena vermacht wurden.
Sernicolis Auswahl, eines passionierten Kunstliebhabers, offenbart die Motivation für seine Kunstsammlung: Er suchte auf dem Antiquitätenmarkt nach Werken, die mit der Kunstkultur seiner Region verbunden sind, und nutzte dabei den Rat anerkannter Kunsthistoriker wie Federico Zeri, den er mehrmals konsultierte und sogar in dessen Villa in Mentana besuchte. So schuf er eine wertvolle Galerie, die beispielhaft die emilianische Kunstlandschaft vom 15. bis zum 18. Jahrhundert dokumentiert.

Der bedeutendste Kern der Sammlung widmet sich der figürlichen Kultur des 17. und 18. Jahrhunderts. Sein Untersuchungsgebiet erstreckt sich von Modena über Reggio Emilia bis nach Bologna, mit dem die herzogliche Hauptstadt enge Beziehungen pflegte. Hier zeigt sich auch die Übereinstimmung zwischen dem Geschmack des Hofes und den Sammelpräferenzen des Adels. Das Silber, das sich gut in „Die Idee des Museums“ ausgestellten Kern einfügt, stammt von Kunsthandwerkern, die im 18. und 19. Jahrhundert in Modena tätig waren, und ist ein wertvolles Zeugnis der Tätigkeit der städtischen Goldschmiedewerkstätten. Einen wichtigen Beitrag zur Erforschung der Sammlung Sernicoli leisteten Daniele Benati und Lucia Peruzzi.

 

1764 gab Herzog Francesco III. d’Este die Order, an der Piazza Sant’Agostino ein „großes Hotel für die Armen“ zu erbauen, in dem sich die frommen Werke der Stadt Modena vereinigen und sammeln sollten.

Nach der Vereinigung Italiens führte der Wille, verschiedene erhaltende und kulturelle Einrichtungen der Stadt im „Albergo delle Arti“ zu vereinigen, zur Unterschrift des ersten Vertrages zwischen der italienischen Regierung und dem Erzherzog Franz V. 1868 in Florenz, zur Unterbringung der Museen der D’Estes in diesem Haus, um den freiwerdenden Palazzo Ducale der Militärschule zur Verfügung zu stellen. 1881 kaufte also die Stadt Modena das Gebäude und brachte dort die Bibliothek der Kunstgeschichte „Luigi Poletti“, das Historische Stadtarchiv und das Stadtmuseum unter.

 

Modena Avia Pervia
Tauchen Sie ein in eine faszinierende Reise durch die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Stadt!

Avia Pervia, der immersive Raum im Palazzo dei Musei, verbindet die Gegenwart und die Vergangenheit Modenas. Im Zentrum des neuen Raumes steht eine emotionale Reise durch die Epochen der Stadt, die auch interaktive Elemente umfasst. Im Erdgeschoss des Palazzo dei Musei, das auch über den neuen Eingang an der Viale Vittorio Veneto 9 zugänglich ist, führt der neue Raum unter dem Motto der Stadt „Avia Pervia“ die Besucher auf eine bewegende Reise durch die Geschichte der Stadt und des Palastes – anhand von Visionen, Begegnungen und Erzählungen.